Что такое вокал? Музыка и вокальное искусство

Что такое эстрадный вокал?

Эстрадный вокал - это особенный вид современного вокального искусства, который, как становится понятно уже даже из названия, напрямую связан с эстрадой. Одновременно с этим скажем, что оттенков у него много, ведь он сочетает в себе много стилей и направлений, создаёт богатую палитру образов.

Выбор своего стиля.

Среди песен, которые относятся к эстрадному вокалу, можно увидеть:

• Яркие джазовые композиции.
• Песни с народными напевами в современной обработке.
• Авторские песни.
• Современный шансон.
• Рок-произведения

Занятия эстрадным вокалом предполагают огромную палитру выразительных средств , ярких и интересных, позволяющих не только продемонстрировать все способности вокалиста, но также подать любую песню в необходимом драматическом исполнении.

Гибкий жанр, который позволяет продемонстрировать голос с самой привлекательной стороны . Не секрет, что в каждом новом исполнении одно и то же произведение может звучать по-разному, ведь рамки эстрадного вокала вмещают в себя и драматический талант исполнителя.

И все же, несмотря ни на какие способности исполнителя, самой главной ценностью в эстрадном вокале является голос: сила звучания, тембр, диапазон - всё это влияет на окончательный результат. Технологии современной аппаратуры позволяют применять самые разные голосовые эффекты, фонограммы, минусовки - всё это неотъемлемая часть эстрадного вокала.

Многие считают, что эстрадный вокал - младший брат академического и не представляет ценности. Существуют даже мнения, что это и не вокал вовсе, а так, нечто среднее между дворовым пением под гитару и залихватскими песнями на свадьбе. Но так говорят люди, которые никогда не сталкивались с настоящим эстрадным вокалом: упражнения и распевки, занятия для улучшения дикции и артикуляции, развитие диапазона - всё это применимо к эстрадному вокалу в полной мере.

Вокалист (от латинских слов vox — "голос" и vocalis — "звучащий") —

музыкальная профессия, связанная с пением, то есть исполнением различных вокальных партий; участник какого-либо вокально-инструментального ансамбля, в котором данный участник исполняет вокальные партии.

Термин «вокалист» почти совпадает с термином «певец», но в современной эстрадной музыке трактуется несколько шире, в частности, подразумевая возможность использования декламации, речитатива, скриминга и т. д.

Певец — тот, кто поёт, занимается пением. Исполнитель вокальной музыки: песен, романсов, арий, хоров, синглов и т. п. Человек, исполняющий музыку на инструменте, которым является его собственный голос. Певец — наиболее распространённая разновидность вокалиста.

Лидер-вокалист — участник музыкального коллектива, исполняющий преимущественно основные вокальные партии.

Бэк-вокалист — участник музыкального коллектива, исполняющий дополнительные, гармонические вокальные партии (своеобразные подпевки).

Виды вокального исполнения.

В зависимости от того, сколько человек и как именно участвуют в вокальном исполнении произведения, разделяют такие виды вокала как:

• Сольное пение (одиночное);
• Ансамблевое пение (от двух до 10 человек, исполняющих обычно разные партии);
• Хоровое пение (от 5-7 до нескольких десятков человек, некоторые из которых ведут идентичные партии).

Существует различные системы классификации голосов (и певцов, соответственно). Какие-то из них учитывают силу голоса, то есть то, как громко певец может петь. Другие — насколько подвижен, виртуозен, отчётлив голос певца. Третьи включают немузыкальные характеристики, такие как внешние данные, актёрские способности и др.

Наиболее часто, используется классификация, учитывающая диапазон голоса и пол певца. Даже руководствуясь только этими двумя критериями, получается множество разновидностей:

• сопрано — высокий женский голос
• меццо-сопрано — средний женский голос
• контральто — низкий женский голос (в хоровой музыке принято называть просто альт)

• тенор — высокий мужской голос
• баритон — средний мужской голос
• бас — низкий мужской голос

Другие вокальные разновидности — колоратурное сопрано, драматический тенор, бас-баритон, бас-профундо. Существует даже категория певцов-мужчин, поющих в диапазоне женского голоса. Этот тип голосов редок, но до сих пор используется, в основном в опере. В музыке барокко многие роли были написаны для кастратов — певцов мужского пола, которым в мальчишеском возрасте была сделана операция кастрации для предотвращения мутации и для сохранения высокого как у женщины голоса. В современном вокальном исполнительстве эти роли может исполнять певец, владеющий развитой техникой пения фальцетом. Певцов такого типа именуют контратенорами (он же мужской альт).

Где научиться петь? Вопрос, несомненно, довольно общий: дело в том, что одних интересует, например, джазовая импровизация, другим достаточно уверенно чувствовать себя в караоке и т. д.

Классификация вокала по манере исполнения.

Академический вокал(классический, оперный).

Академический вокал - старая классическая вокальная школа. Академические певцы поют в опере, в академическом хоре, капелле, с симфоническим оркестром, а так же в жанре камерной вокальной музыки. Академический вокал отличается от эстрадного, джазового и рок вокала своей строго классической позицией. Академический вокал не предполагает пения в микрофон. В академическом вокале существуют определённые рамки, наработанные опытом и историей вокальной музыки. Эти рамки, как правило, не позволяют академическому певцу использовать свой голос в иных вокальных направлениях. С опытом у академического певца формируется определённая вокальная позиция, благодаря которой голос становится очень сильным и приобретает большой объём. Однако, в редких случаях, академисты могут выступать и в иных вокальных жанрах, если смогут облегчить подачу звука.

Эстрадный вокал.

Эстрадный вокал - эстрадное пение сочетает в себе множество песенных направлений, объединяет всю палитру вокального искусства. Эстрадный вокал, прежде всего, подразумевает пение с эстрады, но понятие эстрадного вокала, как правило, связывают с лёгкой и доступной к пониманию музыкой. В эстрадном вокале можно услышать и народные мотивы, и элементы джаза, это так же и авторская песня и элементы рок музыки. Эстрадный вокал отличается от академического вокала более открытым и более естественным звуком. Однако, певческие навыки, правильная позиция и опора звука так же необходимы в эстрадном вокале, как и в академическом.

Джазовый вокал.

Джазовый вокал - прежде всего, подразумевает идеальное чувство ритма и гармонии, а так же подвижность голоса и умение импровизировать. В джазовом пении необходимо чувствовать форму произведения, уметь преподнести своё понимание мелодической темы, видоизменяя её но, не покидая нужной гармонии. Так же важно чуткое партнёрство музыкантов, умение импровизировать на ходу.

Рок вокал.

Рок вокал - обычно пение вокалиста в рок группе. Рок вокал отличается от джазового пения более эмоциональной подачей. Рок вокал предполагает более смысловую нагрузку, нежели вокальную. Однако, рок вокалисту необходимо иметь серьёзную вокальную подготовку. Рок вокалист должен так же иметь кураж и полную свободу в эмоциональном и музыкальном смысле.

Народное пение или этническое пение.

Народное пение, этническое пение, как следует из самого термина, - пение, существующее со времени появления человека, и отличающееся характерными особенностями, свойственными той или иной народности, этнической группе. Отзвуки народной традиции можно найти и в академической (классической) музыкальной культуре, и в эстрадной (городской) музыкальной культуре. В целом для народного пения характерно плоское небо, пение на связках.

Так называемое горловое пение - разновидность народного пения, при которой певец во время пения использует не только связки, но само горло, резонирующие полости рта, гортани, благодаря чему становятся слышимыми обертоны основного тона.

При этом, в основе всего лежит именно академическая постановка вокала: она даёт свободу владения голосом. При этом переход типа «джазовый в академический» может стать настоящей ломкой для певца, именно поэтому желательно сразу определиться, чему именно хочется учиться.

Важно понимать, что за 2-3 месяца научить петь профессионально невозможно даже людей с природной постановкой голоса и абсолютным слухом. В случае с академическим вокалом первый год придётся петь только упражнения, вокализы (пение без слов — на «о-о-о» или «а-а-а») и простые песни. Потом можно понемногу переходить к романсам и несложным ариям. Дело не в том, что в основе науки пения лежит какая-то техника, доступная избранным. На самом деле, как правильно петь, можно рассказать за полчаса, все остальное — дело тренировок.

Уроки вокала — это история на несколько лет.

В этом смысле, пение похоже на спорт. В зависимости от природных способностей будет получаться чуть быстрее или чуть медленнее, но в любом случае нужны упорные тренировки.

Самая распространённая и самая правильная форма обучения вокалу — индивидуальные занятия с педагогом (здесь мы не касаемся ансамблево-хоровой школы — это целый отдельный мир).

Найти своего педагога довольно сложно, и даже рекомендации ничего не гарантируют: тут ещё важно сойтись чисто по-человечески, ведь вам придётся провести вместе очень много времени. Манер преподавания — ещё больше, чем разновидностей вокала, можно сказать, у каждого педагога своя манера.

Есть старая академическая школа, есть бывшие рокеры и т.д. Объединяет их конечно одно: не поющих преподавателей пения не бывает. Качество пения самого педагога напрямую не влияет на качество преподавания.

Зачем нужны уроки вокала для детей.

Уроки пения для детей - скорее удовольствие, чем обучение. Каждый ребенок талантлив. Нет детей, абсолютно лишенных слуха или чувства ритма.

Обучение вокалу для детей дошкольного и школьного возраста - это не просто способ занять ребенка в то время, когда он не посещает школу или детский сад:

• Благодаря занятиям пением ребенок учится понимать и чувствовать красоту музыки, учится ценить ее и сам приобщается к созданию красоты.
• Вокал для начинающих детей формирует такие качества как чувство ритма, слух, развивает голосовой аппарат, совершенствуется речь, моторика.
• Вокал для малышей, старших дошкольников, школьников и подростков развивает творческие способности. Ребенок становится более уверенным в себе, учится ставить перед собой цели и достигать их, обретает способность владеть собой, своим голосом, телом и эмоциями.
• А еще детская вокальная студия или школа - прекрасная возможность расширить круг общения юного певца.

Вокал - древнейшее музыкальное искусство. Оно уникально тем, что главная роль в нем принадлежит голосу. Вокальная композиция может иметь сопровождение, а может быть без него. Она пишется для одного или нескольких исполнителей. Существуют такие основные виды вокала:

• Эстрадный. Такой вокал прост в понимании. Он особенен открытостью. В эстрадном исполнении важны певческие навыки и опора звука.
• Джазовый. Этот вокал предусматривает безупречное ощущение ритма и гармонии. Исполнитель джазовой музыки должен иметь подвижный голос и уметь импровизировать.
• Рок. Это очень эмоциональный вид вокала. Он имеет значительную смысловую нагрузку. Рок вокалист должен иметь солидную вокальную подготовку, полную эмоциональную свободу и особый кураж.
• Академический. Данный вид вокала не предполагает исполнение композиции в микрофон, задача исполнителя - самому озвучить зал. Опыт делает голос академического певца более сильным.

Вокальные стили пения многогранны. Благодаря этому вы сможете подобрать для себя наиболее подходящее направление. Правильный выбор - гарантия того, что вокал будет доставлять вам исключительно положительные эмоции.

Как не ошибиться с выбором вокального стиля?

Вокал - это мастерство владения певческим голосом. Овладеть таким мастерством, записавшись на индивидуальное обучение пению , может каждый желающий. Главное, правильно выбрать для себя стиль и верную разновидность вокала. Здесь руководствуйтесь такими советами:

• Прислушайтесь к себе. Что вы чувствуете, когда исполняете ту или иную композицию? Если это положительные для вас ощущения, значит, вы идете в верном направлении. Если же песня вам неприятна, вы не получаете удовольствие от ее исполнения, тогда подыщите что-то другое.
• Вспомните, какие песенки вы любили в детстве. Напойте их снова. Возможно, к верному направлению вас приведут эмоции из детства.
• Побеседуйте с профессионалом. После того, как педагог прослушает вас, он даст ориентиры. Все дело в том, что ощущение ритма и тембр голоса, которые даны природой, не всегда предоставляют возможность исполнять песни любого жанра.
• Освойте теорию. Стоит досконально изучить тематические видео-уроки и сборники вокальных упражнений. С помощью видео-уроков вы сможете наглядно изучить основные певческие техники в том или ином жанре.
• Если вас интересует эстрадный вокал, то знайте, что здесь важно правильно интонировать, соблюдать интервалы и попадать в ноты. Освоить такие навыки поможет опытный педагог.

Теперь, когда вы знаете, какой бывает вокал, вам будет несложно подобрать для себя наиболее подходящее направление.

ПЕНИЕ КАК ИСКУССТВО

Что такое пение? Что такое «искусство» пения? Что значит петь?

В «Словаре русского языка» С. И. Ожегова сказано: пение см. петь.

петь... 1) Издавать голосом музыкальные звуки, исполнять вокальное произведение. Петь песню. Петь в опере. Петь тенором. 2) Исполнять оперную партию. Петь Онегина. 3) О певчих и некоторых других птицах: издавать звук (о щелканье, свисте, криках и т. п.). Соловей поет. 4) Восхвалять стихами, воспевать (устар. и высок.). Пою мое отечество. Лазаря петь (разг. неодобр.) - жаловаться на судьбу, прикидываться несчастным».

Для определения пения как искусства подходят лишь два первых пункта словарного определения, а доступно «искусство» пения только человеку, хотя и считается, что поют птицы, поют скрипки, поют даже двери. Звуки эти нельзя квалифицировать как «искусство» пения. Они не включают в себя полностью основные элементы музыки: мелодии, гармонии, ритма, наконец, слова. Даже самая прославленная певчая птица, соловей, и та, скорее, «щелкает и свистит» (как сказано в басне Крылова), чем поет. Голуби воркуют, воробьи чирикают, вороны каркают, петухи кричат (хотя порой их крик и называют пением).

Различные «поющие» музыкальные инструменты также имеют свою специфическую, им свойственную окраску. Звуки скрипки тоскливы, гобоя - грустны, кларнета - светлы и радостны, флейты - легки и веселы и т. д. Но все они - бессловесны. Полноценно лишь человеческое пение. Оно способно к выражению всех элементов музыки: мелодических, ритмических и тональных (мажор и минор). Голос человека может выражать радость и горе, печаль и веселость. Слово помогает выявить смысл исполняемого, делает пение осмысленным. Эмоциональная окраска слова делает пение одушевленным. Но одновременно слово доставляет певцу и некоторые технические неудобства.

Наука говорит нам, что гортань поющего должна сохранять свою стабильность. В процессе пения со словом, при произнесении гласных и согласных, гортань смещается. Это отрицательно влияет на непрерывность звучания голоса.

К. С. Станиславский в руководимой им Оперной студии говорил певцам, что искусство начинается там, где появляется непрерывность. Элементы «непрерывности» в значительной степени определяют художественную ценность кантилены.

Помимо препятствий, создаваемых сменой гласных и согласных, певцу приходится встречаться с еще более трудными -препятствиями - музыкальными интервалами. Всякая мелодия является последовательностью интервалов. Движение голоса по интервалам вверх и вниз вызывает смещение гортани с ее устойчивой позиции. Научившись преодолевать эти препятствия, певец добивается «уравнения» звуков голоса, достигая «непрерывности» звучания2. Если использовать определение человеческой личности, способной совмещать в себе величие и ничтожность душевных качеств («Я царь, я раб, я червь, я бог»), сделанное Г. Р. Державиным в одной из его од, и приложить эту меру к пению, то мы можем сказать, что певец также способен к большой амплитуде своих творческих изъявлений. Он «раб» своего инструмента, если горло его не в порядке. Но если инструмент отвечает его высоким творческим «хотениям» (Станиславский), он становится и «царем», и «богом». Правда, до настоящего времени мы знаем единственного в мире певца, который, когда пел, становился и «царем» и «богом». Он обладал совершенным вокальным инструментом и непревзойденным артистизмом. Это был Шаляпин. Он был гениален. А. В. Нежданова говорила, что у нас много хороших голосов, но не умеющих петь. Умение петь без обучения, спонтанно - явление чрезвычайно редкое. М. И. Глинка писал: «Все певцы от природы несовершенны и требуют ученья, цель которого исправить недостатки и усовершенствовать голос».

Что же такое хорошее пение? Голос поющего должен быть свободен, полнозвучен и звонок. Певец может петь громко и тихо, сильно и мягко. Он имеет полный набор средних, высоких и низких звуков, свойственных природе его голоса. Пение его осмысленно и одушевленно. Для того чтобы развить свои творческие способности и стать артистом, должно изучать наследие великого Станиславского. Знакомство певцов с работами К. С. Станиславского в этой области может оказать им помощь не только в их сценической практике, но и в процессе работы над постановкой голоса, внеся в нее живительные элементы творческого воображения.

Мы имеем, наконец, и теоретические работы ученых. Профессор Л. Б. Дмитриев, врач-ларинголог и певец, произвел опыт наблюдения над гортанью в процессе фонации с помощью рентгена. Просвечивая горло поющего, он, попросту говоря, насквозь увидел, что происходит в горле хороших и плохих певцов.

Разработанная нашими физиками и фонетистами теория дает ключ к практическому освоению принципов вокального дела.

По вопросам теории пения существует большая литература, но она мало влияет на практику вокального дела: певческая жизнь протекает почти независимо от нее, своими путями.

Практика пения пользуется, главным образом, устной передачей опыта педагогов, мастеров вокального дела. Какого-либо общего метода работы по воспитанию певца и его голоса, подобного методу работы с актером К. С. Станиславского, ни вокальная практика, ни теория преподавания пока не создали. Едва ли можно требовать от мастеров пения глубокого теоретического осмысления их практической деятельности. В истории известны лишь редкие художники, как, например, К. С. Станиславский, Ф. И. Шаляпин и другие, которые одновременно творили и анализировали свое творчество. Ни от писателей, ни от музыкантов, ни от живописцев, ни от певцов при наличии у них таланта и огромного опыта не приходится требовать создания теории, то есть теоретического осмысления их собственной исполнительской практики.

При настоящем положении вещей нередко раздаются голоса о целесообразности разработки «единого метода» обучения певцов.

Однако создание такого метода требует большой сплоченности вокалистов. Лишь тогда, когда преподаватели пения придут к единым выводам, опирающимся на тщательно проверенные научные данные о работе голосового аппарата во время пения, «единый метод» будет разработан и внедрен в вокальную практику.

Полезный, и равно для всех приемлемый практический метод преподавания пения может быть создан лишь в результате глубокого, всестороннего обобщения как опыта лучших вокальных педагогов, так и практики выдающихся исполнителей-певцов. Такое обобщение должно опираться на данные науки. В настоящее время ни наука, ни наличие прекрасно выработанного музыкально-вокального слуха у наших педагогов не могут в достаточной мере помочь учащемуся установить объективные причины хорошего или плохого звучания голоса. К тому же субъективные ощущения педагога и учащегося часто не совпадают. Передать же словами ощущения, возникающие при звукообразовании, чрезвычайно трудно. Да и состояние современной вокальной терминологии таково, что она порой может скорее запутать ученика, чем оказать ему помощь. Объясняя свои ощущения, при показе должного звучания педагог пытается вызвать у ученика аналогичные ощущения. Но, показывая желательное звучание, педагог обычно бывает убежден, что данный звук возник у него в результате именно тех ощущений и тех технических приемов, о которых он говорит ученику. На самом же деле ощущения очень обманчивы и индивидуальны и у ученика могут быть иными.

В процессе передачи своих технических приемов и ощущений педагог, как правило, прибегает и к словесным объяснениям. Эти объяснения по существу своему чаще всего являются лишь образными выражениями, характеризующими ощущения, сопровождающие хорошее звучание певческого голоса или разные качества этого звучания. Учащемуся же приходится «переводить» эти образные выражения на собственные мышечные ощущения и собственные звуковые представления. Далеко не всегда ученику удается осуществить этот «перевод».

Не приходится отрицать, что методы обучения пению, основывающиеся на не совсем верном представлении о работе голосового аппарата во время пения, все же подчас дают хорошие результаты за счет практического опыта педагога. Однако процент их чрезвычайно невысок.

Успешность таких методов, по-видимому, объясняется также способностью части певцов копировать правильный мышечный прием, которым пользуется их педагог, или же интуитивно осуществлять некий идеал красивого звучания голоса, сложившийся в их собственном представлении. Копируя хорошее звучание голоса педагога, даже при неправильном истолковании певческого процесса, певец подчас вырабатывает мышечные навыки, обеспечивающие тот звук, который соответствует его вокальному идеалу.

Но если бы копирование хорошего звучания певческого голоса и различных вокальных приемов могло быть подлинной практической базой постановки голоса, обучение пению не давало бы того количества голосового «брака», какое наблюдается. Есть ряд учащихся, способных к подражанию, и им этот метод может существенно помочь. Но есть певцы и другой категории, плохо усваивающие этот метод работы, не обладающие способностью легко приспосабливаться к чужому голосообразованию. Есть, наконец, певцы, которые стремятся к глубокому изучению и осмыслению вокального механизма. Желая со временем стать педагогами, они хотят понять и усвоить самое существо, механизм верного певческого голосообразования. Поэтому следует считать, что наилучшим, наиболее надежным и общепонятным будет такой метод, который опирается на сознательное, правильное представление о механизме певческого звукообразования.

Прежде чем приступить к созданию «единого метода» обучения пению, необходимо добиться от всех певцов и педагогов осмысления своей практики с точки зрения верных представлений о работе голосового аппарата во время пения. Базируясь на этих данных, можно обеспечить всеобщее признание единых принципов верного певческого звукообразования, можно разработать современные основы певческого искусства. Тем самым попутно будет создаваться и точная вокальная терминология.

Любой музыкант, играющий на скрипке, флейте, фортепиано, имеет уже готовый (не им сконструированный) инструмент для исполнения.

Замечательный русский исследователь вокала Л. Б. Дмитриев говорит: «Практически важно найти наиболее удобную для певца (оптимальную) позицию гортани, вести дальнейшие занятия так, чтобы она от этого положения не уходила на всех гласных и на всем диапазоне».

Певец извлекает звуки из собственного горла, с помощью собственных мышц и нервов. В процессе фонации певец сам становится «инструментом». Ему необходимо осознать и ощутить значение и использование мышечного комплекса, с которым он имеет дело в процессе пения. Поэтому глубоко вредны любительские советы обучающемуся пению, вроде: «пой без всякой химии». К сожалению, певцу приходится освоить много «химии», прежде чем он научится петь. Правда, бывали примеры, когда певцы овладевали искусством пения спонтанно, не учась. Но примеры эти единичны, в то время как обучаться пению могут сотни и тысячи людей, имеющих природные вокальные данные.

Постановка голоса, то есть приспособление и развитие его для профессионального пения, - это процесс одновременного и взаимосвязанного воспитания слуховых и мышечных навыков поющего. Это выработка хороших, правильных певческих привычек.

В певческом звукообразовании принимают участие многочисленные группы мышц, в частности дыхательные, артикуляционные, гортанные и ряд других. В процессе овладения любой специальностью, связанной с мышечной работой, в том числе и пением, работа мышц перестраивается, уточняется, отшлифовывается в нужном направлении под влиянием обучения. Как говорят физиологи, работа мышц становится очень тонко дифференцированной, то есть расчлененной и упорядоченной. Образуются, вырабатываются нужные связи, рефлексы, ненужные тормозятся, лишние движения и напряжение исчезают, формируются стойкие вокальные навыки, в результате которых голос должен звучать энергично, чисто и свободно.

Певец, работающий над постановкой голоса, должен выработать острое внимание к своим мышечным ощущениям и знать, к какой группе мышц это внимание должно быть в первую очередь направлено. Его следует направить на те мышечные ощущения, которые идут от источника звука в момент его начала, то есть на его атаку и на артикуляцию. Именно от них непосредственно и зависит звучание голоса, которое должно непрерывно контролироваться слухом певца и педагога. Распыляя свое внимание на работу других мышц, например на диафрагму, на тот или иной «тип вдоха» или на ощущения резонирования в какой-либо части голосового аппарата (зубы, нёбо, «маска» и т. п.), певец немедленно попадает в сеть издавна бытующих стандартных вокальных представлений вторичного значения. В этих представлениях по большей части певец и запутывается.

Прежде всего необходимо определить с полной ясностью причины возникновения голоса и представить, почему невозможно голос куда бы то ни было «послать», «направить», «приблизить», «удалить», «поставить», «посадить» или «опереть». Все эти определения голосовой функции лишь образно характеризуют или требования которые предъявляются к качеству звучания, или внутренние, собственные ощущения певца, возникающие при пении. Они не определяют саму работу голосового аппарата, необходимую для осуществления этих требований, для возникновения этих ощущений.

Голос возникает в результате вибрации голосовых связок, противостоящих напору выдоха. Его нельзя «снять» со своего места, нельзя ни «послать», ни «посадить», ни «приблизить», ни «удалить». (Можно, конечно, приблизить поющего к слушателям, но это не может улучшить качество звучания). «Близость» или «дальность» голоса зависит от организованности звучания, от наилучшего акустического эффекта, создаваемого с помощью артикуляции поющего.

Так, с помощью движения корня языка, связанного подъязычной костью с гортанью, можно увеличивать или приостанавливать сдвиги гортани вверх и вниз в процессе «преодоления» музыкальных интервалов (начиная с малой секунды и т. д.). Гортань смещается также и от смены гласных. Ее положение выше на гласных и и е, чем на гласных а, о, у. Блестящие исследования (с помощью рентгена) проф. Л. Б. Дмитриева показали, что у хороших профессиональных певцов гортань обретает спокойное и устойчивое положение, лишь незначительно смещаясь по вертикали. Чем менее опытен певец, тем больше сдвигов и толчков испытывает его гортань в процессе преодоления интервалов и гласных. Ловкая, быстрая и классическая артикуляция (то есть перестройка корня языка, формы зева, глотки и мягкого нёба) помогает певцу уберечь гортань от смещений. Приходится прибавить, что для того, чтобы легко и ловко артикулировать в соответствии с данным интервалом, певцу необходимо выработать свободу челюсти, языка и губ. «Плох тот певец, который думает петь с зажатой челюстью», - говорил Карузо. Также плох тот певец, который хочет петь с зажатым языком. Для произнесения слов язык постоянно должен быть свободен и готов к вокальной речи, то есть перестройке гласных и согласных.

Многочисленную мускулатуру, принимающую участие в образовании певческого голоса, можно по функциям условно разбить на три отдела:

1. Мышцы корпуса, обеспечивающие главным образом подачу воздуха к связкам и одновременно правильное положение гортани.

2. Мышцы самой гортани, непосредственно участвующие в возникновении вибраций, а также мышцы шеи, прикрепляющиеся к гортани и ведающие ее установкой в целом.

3. Мышцы артикуляционного аппарата, основная роль которых - превратить звук, возникший в гортани, в членораздельную речь.

Все эти отделы мышечной системы в процессе пения должны работать во взаимосвязи так, чтобы задача, лежащая на каждом из них, выполнялась свободно, не мешая работе остальных.

В процессе голосообразования голосовые связки певца натягиваются, напрягаются и вместе со всей мышечной системой гортани организованно противостоят напору выдоха. Прочное натяжение, напряжение и эластичное смыкание связок в процессе их вибрации делают звук крепким, «металличным», хорошо «опертым». В процессе фонации две силы - выдох и напряжение связок - должны противостоять друг другу, не преодолевая и не побеждая одна другую. Энергичность звучания обусловливается в первую очередь правильным взаимодействием связок и дыхания. Певческий звук начинается лишь с момента атаки звука, то есть с момента смыкания связок поющего. От начала звука до конца вокальной фразы дыхание у певца расходуется путем трансформации его в звук. Чем совершеннее организуется превращение дыхания в звук, тем экономнее воздух расходуется певцом и тем чище, «металличнее» звучит голос. У хорошего певца дыхания хватает на длинную фразу, у плохого - не хватает и на ее половину. Происходит это не от плохого распределения дыхания (дыхательной мускулатурой) и не от недостаточного количества воздуха, забранного легкими певца - утечка дыхания неизбежна, если неправильно смыкаются связки поющего.

Расходование дыхания регулируется правильным рабочим напряжением связок. В нахождении этого рабочего напряжения связок, их правильного смыкания основную роль играет атака. В атаке (начале звука) действуют и дыхание, и смыкание связок, причем их работа в момент атаки хорошо поддается мышечному контролю. Каждый обученный певец может энергично, мягко или с придыханием атаковать звук, а следовательно, создать тот или иной тип рабочего напряжения связок. Атака хорошо ощутима, она воздействует непосредственно на характер смыкания связок, а вместе с тем и на трату дыхания. Именно поэтому она и должна прежде всего привлекать внимание певца.

Поскольку расход дыхания регулируется тем или иным характером работы голосовых связок, дыхание, тренированное отдельно от звукообразования, еще не ведет к длинному выдоху в пении. Более того, выдох, тренированный отдельно от звука, может отрицательно повлиять на работу голосового аппарата. Если сильное дыхание направляется на слабо тренированные связки, певцу понадобится перенапрячь их, чтобы справиться с большим напором воздуха. Так может возникнуть форсировка, неприятная для слушателя и разрушающая голос певца.

В пении нужно не просто плавно выдыхать, но находить верное взаимодействие между связками и дыханием. Подобно тому как парусное судно при сильном напоре ветра может потерять управление, так и гортань со связками при сильном напоре дыхания может потерять свою устойчивость. Голос певца при аналогичных обстоятельствах также может потерять свою устойчивость и «сорваться» ... Укрепляя работу связок постепенной тренировкой их и неизменно сохраняя устойчивое положение гортани и постоянное напряжение связок, певец тем самым одновременно тренирует и дыхание. Нельзя нарушать связь дыхания со звукообразованием, тренируя дыхание отдельно от звука.

Оба эти фактора (работа гортани и дыхание) равно необходимы для голосообразования и взаимодействуют при атаке. На каких же ощущениях певцу важнее фиксировать свое внимание? Здесь выбор несомненно падает на ощущения работы гортани.

В связи с этим надо сказать о боязни певцов концентрировать свое внимание на гортанных ощущениях. (Многие считают, что это ведет к «горловому» звучанию).

Горловое звучание есть результат неверной работы гортани, когда она еще не освобождена от «содружественных» напряжений.

Как говорилось выше, процесс голосообразования у неопытного певца характеризуется тем, что мышечная работа в этом процессе недостаточно дифференцируется. Напряжение связок вызывает обычно одновременное напряжение мышц, глотки, зева, языка, нижней челюсти, губ. Чем менее опытен певец, тем «содружество» это более сильно выражено, захватывая часто лицо, шею, корпус, а иногда руки и ноги поющего. В процессе упражнений под контролем слуха певец постепенно освобождается от лишних напряжений, приобретает нужные навыки, верную координацию.

Как в процессе развития пианиста руки его становятся способными ко все более быстрым, точным и тонким движениям, так и в развитии певца должен происходить аналогичный процесс выработки тонкой, точной координации в работе голосового аппарата.

Если пианист играет без должной степени мышечной свободы, слишком напряженными руками, звук рояля неизбежно становится «жестким». Если певец поет с «зажатой» гортанью, то есть с неверной координацией работы мышц, то звук его голоса также становится «жестким», «горловым». Обычно такое звучание оценивается отрицательно и определяется как пение «горлом» (хотя в природе человека и не существует другого способа пения, кроме как горлом).

Свободное пение, однако, никогда не вызывает у слушателя такого определения. Если голос звучит полно и свободно, то роль механизма, производящего звук, как бы стушевывается, переставая восприниматься слухом. Высокое качество звучания (будь то скрипка, рояль или голос) уничтожает призвуки, характеризующие «материал», с помощью которого организован звук (стук молоточков в рояле, скрип смычка, ударяющегося о струны, напряжение голосовых связок поющего).

Когда слушатели говорят, что слышно «горло» поющего или что он «поет горлом», это значит, что у певца в процессе фонации неверно, с перенапряжением и включением содружественной близлежащей мускулатуры (глотки, шеи) работает гортань.

Упражнения, спетые певцом с зажатым «горлом», вредны для голоса, так как одновременно с тренировкой силы голоса и укреплением голосовых связок они укрепляют и сопутствующие напряжению связок мышечные зажимы. Слух наш требует, чтобы сила звучания голоса была пропорциональна свободе его звучания.

Если гортань свободна от «зажимов» и связки работают с должным рабочим напряжением, то никто не может заметить в подобном звучании ни «горла», ни «гортани». Певцам не следует бояться таких понятий, как «гортань» и «связки». Эти понятия вполне безопасны при правильном осознании и использовании их рабочей функции в процессе фонации.

Свободное, красивое пение требует верного напряжения связок и освобождения гортани от всяческих зажимов. К свободному пению стремится каждый певец, ибо только оно и дает настоящий простор художественному творчеству. (Это прекрасно понимал К. С. Станиславский, говоривший на репетициях в своем оперном театре: «Через зажатое тело не может пройти чувство...»).

Подобно тому как Микеланджело отсекал от глыбы мрамора все, что казалось ему лишним, певец должен «отсекать» зажимы, мешающие организации свободного голосообразования.

М. Гарсиа говорит так о нерасчлененности мышечной работы певца: «Когда певец умеет заставить работать каждый аппарат в свойственной ему области, не мешая работе других органов, то голос как бы питает все части исполнения и соединяет различные детали мелодии в один полный и непрерывный ансамбль, который и составляет широту пения. Если же, наоборот, один из механизмов выполняет свои функции плохо: если грудь толкает или бросает дыхание, если голосовая щель работает недостаточно твердо и точно, то голос прерывается и слабеет после каждого слога».

Для того чтобы связки смогли полноценно выполнять свою нагрузку по голосообразованию, гортань певца должна быть ограждена от всякого беспокойства, потрясений и «зажимов». Ее независимость и неприкосновенность должны быть сохранены всеми средствами. Стабилизация гортани - вот тот принцип, на основе которого должен формироваться голос. Этому принципу должна быть подчинена вся мышечная работа вокального аппарата.

Положение и стабильная работа гортани зависит от работы дыхания и артикуляционного аппарата.

Правильная и плавная подача дыхания зависит прежде всего от правильного положения корпуса, создающего благоприятные условия для работы дыхательной мускулатуры, которая должна подавать дыхание в тесной координации с работой гортани, без толчков и нажимов. Это сохраняет стабильность положения гортани.

«Грудь не имеет другого назначения, - говорит Гарсиа, - как питать голос воздухом, а не толкать и не выпихивать его».

Доктор Левидов так рассказывает о своих занятиях пением в Италии: «В Италии преподаватели пения относятся к вопросу о специальной выработке дыхания достаточно индифферентно. Только в самом начале обучения в течение одного или двух уроков учители объясняют учащимся те или иные основы дыхания, значение которых они считают для него необходимым (эти объяснения даются преимущественно в плане анатомо-физиоло-гического разбора дыхательного аппарата), а в дальнейшем почти уже не говорят с ними о дыхании. «Пойте хорошо, а дышите так, как это вам удобно»».

Не менее важное значение для сохранения стабильного, единообразного положения гортани имеет верная работа артикуляционного аппарата.

В бытовой речи, в процессе произнесения различных гласных и согласных, гортань смещается то вверх, то вниз, что легко можно установить, положив руку на кадык во время речи. Эти привычные речевые связи между работой артикуляционного аппарата и гортанью (если их не перестроить) будут в пении со словами все время выбивать гортань из ее спокойного певческого положения, то есть нарушать вокальные качества голоса.

Правильной певческой артикуляцией мы добиваемся не только чистоты произнесения гласных, но и их правильной певческой окраски, или, как мы говорим, «верного резонирования» певческого голоса.

Вокальная дикция, так же как и искусство пения, заключает в себе два элемента: творческий и технический. Элементом творческим является художественное распределение смысловой содержательности (веса) слова в зависимости от художественных задач, на него возложенных, от идеи и смысла исполняемого произведения.

Техническим элементом дикции является умение чисто, полноценно петь гласные и четко произносить согласные. Поток гласных не должен нарушаться вклинивающимися в него согласными. Все гласные в пении должны звучать чисто, ясно, и их «вокальное ядро» не должно претерпевать заметных трансформаций при их смене.

Выработка правильной певческой артикуляции дает возможность плавно переводить один гласный в другой, не выбивая гортань из устойчиво спокойного положения, освобождая ее от зажимов сверху («снимает звук с горла»).

В процессе произнесения гласных гортань то поднимается (на гласных и и е), то опускается (на а, о, у). Слишком резкие колебания гортани по вертикали при произнесении гласных нарушают единообразие звучания голоса.

Материал из Юнциклопедии

Музыка, созданная для голоса или многих голосов, - это самый ранний вид музыкального искусства. Еще на заре существования человеческого общества люди пользовались голосом для звуковых сигналов, общения друг с другом. Так из одного корня возникли человеческая речь и музыка. Самые простые и древние формы вокального искусства сохранили ощутимую связь со звуковыми сигналами, пастушескими зовами, охотничьими или военными кличами, ритмическими восклицаниями, объединяющими усилия людей в совместном труде.

По мере развития человеческого общества развивались и усложнялись и формы вокального искусства. Но еще долго оно оставалось неразрывно связанным с трудом и бытом, было неотделимо от пляски и игры.

Вокальное искусство включает различные жанры: песню, романс, произведения для вокальных ансамблей, хоровую музыку и оперу. И везде присутствуют два элемента: музыка и слово. Между музыкой и словом - много общего. В самой человеческой речи есть музыкальный элемент - интонация. Она придает речи выразительность, эмоциональность.

В вокальном искусстве интонация - основа выразительности. Иногда мелодия музыкальной фразы прямо рождается из интонаций речи. Вопросительные, восклицательные и утвердительные интонации становятся интонациями музыкальными. Их речевая природа продолжает ощущаться, что наиболее заметно в оперных речитативах, особенно у А. С. Даргомыжского, М. П. Мусоргского, С. С. Прокофьева (см. Оперный театр).

Но так бывает не всегда. Когда речь становится пением, в ней появляются, новые качества, свойственные именно музыкальному искусству. Если в речи подъемы и понижения голоса подчинены смыслу фразы, то музыка стремится внести в них повторность, ритмическую размеренность. Вот почему вокальные произведения чаще пишутся на стихотворный текст: повторность созвучий - рифм, ритмическая размеренность присущи уже самой стихотворной речи. И это не случайно, ведь поэзия и музыка возникли из некогда единого искусства - песни.

Декламационность и песенность постоянно взаимодействуют в вокальной музыке, одно может гибко переходить в другое. Так, например, мелодия, начавшись выразительными, «говорящими» декламационными фразами, может постепенно обретать песенную широту и плавность. Еще большие возможности открываются в сочетании голоса с музыкальными инструментами, в ансамбле с другими голосами, в хоре. Но во всех формах и жанрах вокального искусства неизменно сохраняется его связь с интонациями речи, что делает это искусство таким чутким отражением чувств и переживаний человека.

В XIX-XX вв. выдающимися представителями вокального искусства были итальянские певцы А. Каталани, Дж. Паста, Э. Карузо, Т. Руффо, М. Дель Монако, французские - М. Малибран, П. Виардо-Гарсиа и многие другие.

Русская вокальная школа возникла на основе народного певческого искусства. На ее принципах воспиталась целая плеяда замечательных певцов - О. А. Петров, А. Я. Воробьева-Петрова, Ф. И. Шаляпин, А. В. Нежданова, Л. В. Собинов и другие.

В числе советских певцов, развивших традиции вокального искусства, - В. В. Барсова, К. Г. Держинская, М. П. Максакова, Н. А. Обухова, Е. В. Образцова, М. Д. Михайлов, А. С. Пирогов, М. О. Рейзен, С. Я. Лемешев, И. С. Козловский, Б. П. Гмыря, И. С. Паторжинский, М. И. Литвиненко-Вольгемут, Л. П. Александровская, Б. Т. Штоколов, А. Б. Даниелян, П. Г. Лисициан, Ш. Мамедова, БюльБюль, К. Байсеитова, Х. Насырова, А. Аннакулиева, М. Булатова и многие другие.

Многие задаются вопросом: c чего начинается пение? И это очень правильный вопрос в особенности для тех, кто уже связал или только собирается связать свою жизнь с вокальным искусством. Так с чего же все-таки начинается история вокального искусства?

Конечно же с нашего Голоса. С рождения первого младенца и изданного первого крика на земле начало развиваться умение управлять голосовым аппаратом. Интересно отметить, что крик младенца соответствует 435-440 Гц, то есть тону «Ля» первой октавы. И уже в первые годы жизни голос человека достигает диапазона в 5-7 тонов. Обратимся непосредственно к истории вокала и к пению, как средству выражения эмоций, чувств и настроений в художественном контексте. Конечно же, с течением многих столетий вокальное исполнение в разных концах нашей необъятной планеты претерпевало различные видоизменения, обретая новые краски, формы, структуры, и благодаря этим изменениям современное вокальное искусство имеет невообразимое количество жанров и техник .

Если в наше время певец – это профессия, означающая мастерское владение голосовым аппаратом и годы тренировок, то во времена древние — трубадуры, менестрели, да и совсем просты люди, к примеру мать, убаюкивающая ребенка и нежно напевающая колыбельную, не имея специальной подготовки, с помощью звуков голоса стремились просто передать свои чувства и произвести приятное впечатление на того, кому эти чувства предназначались.

В древние времена пение носило народный и религиозный характер и не нуждалось в дидактической подготовке. Пели «естественно», спонтанно простые мелодии или хоровые молитвы в храмах под аккомпанемент инструментов.

Рассказывают, что Конфуций, случайно услышав песнопение, приписываемое Ли-Бо, древность которого исчисляется четырнадцатью столетиями, был до такой степени поражен, что, отказывался в течение семи дней от пищи, питья и сна. После этого он и сформулировал свое знаменитое учение, которое он распространял, напевая его предписания на мотив мелодии Ли-Бо. Своим голосом и своей пятиструнной гитарой из слоновой кости он обратил огромный Китай в свою веру. И он совершил это, не обучаясь пению ни в какой школе.

Первые документальные упоминания о существовании вокального искусства как отдельного жанра в музыке появились только лишь в тот момент, когда песня вошла в церковь. Священники заимствовали многое из народного репертуара. Благодаря сильному влиянию церкви в то время, песня постоянно эволюционировала, образуя собой некий симбиоз религиозных и светских элементов.

Первыми профессиональными певцами были менестрели, которые с XIV века выступали в роли так называемых профессиональных музыкантов, которые зарабатывали себе на жизнь игрой на музыкальных инструментах и пением.

C началом XVI века приходит опера. В то время главными исполнителями были певцы-кастраты, или сопранисты. Композиторы часто писали одну мелодию, а они уже сами украшали её трелями и пассажами. Эта музыка должна была услаждать слух зрителей, уносить их в “заоблачный мир” и развлекать.

В 30-40е годы XIX столетия одного прекрасного пения оказалось мало, и представители чистого бельканто уступили место тенорам, а позже баритонам. Позднее и по сей день вокальное искусство претерпевает многие изменения: появляются новые жанры, новые манеры и стили пения, такие как джазовое пение, эстрадное пение, народное или этническое пение; современные музыкальные стили, зародившиеся в афроамериканской культуре: соул, хип-хоп, рэп, ритм-н-блюз; разнообразные приёмы звукоизвлечения, такие как гроулинг, скриминг, грим, скрим, харш.

Музыка повсюду и во все времена одаривала и будет одаривать нас всё новыми и новыми жанрами и стилями, но главное, чтобы современным людям всегда было, что сказать, используя этот невообразимо богатый и удивительный инструмент — человеческий голос.