Симфонии 20 века и их авторы. Шедевры классической музыки. музыкальных сочинений, с которых нужно начинать слушать классику

В конце эпохи барокко ряд композиторов, например Джузеппе Торелли (1658–1709), создавали сочинения для струнного оркестра и basso continuo в трех частях, с последовательностью темпов «быстро – медленно – быстро». Хотя подобные сочинения обычно назывались «концертами», они ничем не отличались от сочинений под названием «симфония»; например, в финалах и концертов и симфоний использовались танцевальные темы. Различие касалось в основном структуры первой части цикла: в симфониях она была проще – это, как правило, бинарная двухчастная форма барочной увертюры, сонаты и сюиты (АА ВВ). Само слово «симфония» с 10 в. означало гармоничное созвучие; к концу 16 в. такие авторы, как Дж.Габриели, прилагали это понятие к созвучию голосов и инструментов. Позднее в музыке таких композиторов, как Адриано Банкьери (1568–1634) и Саломоне Росси (ок. 1570 – ок. 1630), слово «симфония» стало означать совместное звучание инструментов без голосов. Итальянские композиторы 17 в. часто обозначали словом «симфония» (sinfonia) инструментальные вступления к опере, оратории или кантате, и термин по смыслу приблизился к понятиям «прелюдия» или «увертюра». Около 1680 в оперном творчестве А.Скарлатти установился тип симфонии как инструментальной композиции в трех разделах (или частях), построенной по принципу «быстро – медленно – быстро».

Классическая симфония.

Слушателям 18 в. нравились оркестровые пьесы в нескольких частях с разными темпами, которые исполнялись как в домашних собраниях, так и в публичных концертах. Утратив функцию вступления, симфония развилась в самостоятельное оркестровое произведение, обычно в трех частях («быстро – медленно – быстро»). Использовав черты барочной танцевальной сюиты, оперы и концерта, ряд композиторов и прежде всего Дж.Б.Саммартини, создали модель классической симфонии – трехчастного сочинения для струнного оркестра, где быстрые части обычно имели форму простого рондо или раннюю сонатную форму. Постепенно к струнным прибавились другие инструменты: гобои (или флейты), валторны, трубы и литавры. Для слушателей 18 в. симфония определялась классическими нормами: гомофонная фактура, диатоническая гармония, мелодические контрасты, заданная последовательность динамических и тематических изменений. Центрами, где культивировалась классическая симфония, стали немецкий город Мангейм (здесь Ян Стамиц и другие авторы расширили симфонический цикл до четырех частей, введя в него два танца из барочной сюиты – менуэт и трио) и Вена, где Гайдн, Моцарт, Бетховен (а также их предшественники, среди которых выделяются Георг Монн и Георг Вагензейль подняли жанр симфонии на новый уровень.

Симфонии Й.Гайдна и В.А.Моцарта – блестящие образцы классического стиля. Части четко отделены друг от друга, каждая имеет самостоятельный тематический материал; единство цикла обеспечивается тональными сопоставлениями и продуманным чередованием темпов и характера тем. Струнные, деревянные духовые, медные духовые и литавры дают множество инструментальных комбинаций; лирическое начало, идущее от оперного вокального письма, проникает в темы медленных частей, разделов трио в третьих частях и в побочные темы других частей. Иные мотивы оперного происхождения (октавные скачки, повторения звуков, гаммообразные пассажи) становятся тематической основой быстрых частей. Симфонии Гайдна отличаются остроумием, изобретательностью тематического развития, оригинальностью фразировки, инструментовки, фактуры и тематизма; симфонии Моцарта отмечены богатством мелодики, пластичностью, изяществом гармонии и мастерским контрапунктом.

Превосходный образец классической симфонии конца 18 в. – симфония № 41 Моцарта (К. 551, до мажор (1788), известная под названием Юпитер . Ее партитура включает флейту, два гобоя, два фагота, две валторны, две трубы, литавры и группу струнных (первые и вторые скрипки, альты, виолончели, контрабасы). Симфония состоит из четырех частей. Первая, Allegro vivace, написана в живом темпе, в тональности до мажор, размере 4/4, в сонатной форме (т.н. форме сонатного аллегро: темы в первый раз появляются в экспозиции, затем развиваются в разработке, за которой следует реприза, обычно заканчивающаяся заключением – кодой). Вторая часть симфонии Моцарта написана в умеренном (moderato) темпе, в субдоминантовой тональности фа мажор, опять-таки в сонатной форме и носит певучий характер (Andante cantabile).

Третья часть состоит из умеренно подвижного менуэта и трио в до мажоре. Хотя каждый из этих двух танцев написан в рондообразной бинарной форме (менуэт – ААВАВА; трио – CCDCDC), возвращение менуэта после трио придает общей структуре трехчастность. Финал – это снова сонатная форма, в очень быстром темпе (Molto allegro), в основной тональности до мажор. Построенные на лаконичных мотивах темы финала излучают энергию и силу; в коде финала баховские приемы контрапункта сочетаются с виртуозностью моцартовского классического стиля.

В творчестве Л.ван Бетховена части симфонии теснее связываются тематически, и цикл достигает большего единства. Принцип использования родственного тематического материала во всех четырех частях, проведенный в бетховенской Пятой симфонии, привел к возникновению т.н. циклической симфонии. Бетховен заменяет спокойный менуэт более оживленным, часто буйным, скерцо; он поднимает тематическое развитие на новый уровень, подвергая свои темы всевозможным изменениям, среди которых контрапунктическая разработка, вычленение фрагментов тем, перемена лада (мажор – минор), ритмические сдвиги. Весьма выразительно применение Бетховеном тромбонов в Пятой, Шестой и Девятой симфониях и включение голосов в финале Девятой. У Бетховена центр тяжести в цикле смещается с первой части на финал; в Третьей, Пятой, Девятой финалы несомненно являются кульминациями циклов. У Бетховена появляются симфонии «характерные» и программные – Третья (Героическая ) и Шестая (Пасторальная ).

Романтическая симфония.

С творчеством Бетховена симфония вступила в новый век. Свойственные его стилю резкие смены темпа, широта динамического диапазона, богатство образности, виртуозность и драматичность, иногда неожиданность появления и многозначность тем – все это расчистило путь композиторам романтической эпохи. Осознавая величие Бетховена, они стремились идти его путем, не теряя при этом собственной индивидуальности. Композиторы-романтики, начиная с Ф.Шуберта, экспериментировали с сонатной и другими формами, часто сужая или расширяя их; симфонии романтиков полны лиризма, субъективной экспрессии и отличаются богатством тембрового и гармонического колорита. Современник Бетховена Шуберт обладал особым даром создания лирических тем и необычайно выразительных гармонических последовательностей. Когда логика и упорядоченность классицизма уступили место субъективизму и непредсказуемости, характерным для искусства романтизма, форма многих симфоний стала пространнее и фактура тяжелее.

Среди немецких симфонистов-романтиков – Ф.Мендельсон, Р.Шуман и И.Брамс. Мендельсону, с его классичностью в областях формы и пропорций, особенно удались Третья (Шотландская ) и Четвертая (Итальянская ) симфонии, отразившие впечатления автора от посещения этих стран. Симфонии Шумана, на которые оказали воздействие Бетховен и Мендельсон, тяготеют к цикличности и одновременно к рапсодичности, особенно Третья (Рейнская ) и Четвертая. В своих четырех симфониях Брамс благоговейно сочетает баховский по стилю контрапункт, бетховенский метод развития, шубертовский лиризм и шумановское настроение. П.И.Чайковский избежал типичной для западных романтиков склонности к подробным программам для симфоний, а также использования вокальных средств в этом жанре. В симфониях Чайковского, одаренного оркестратора и мелодиста, запечатлена склонность автора к танцевальным ритмам. Симфонии другого талантливого мелодиста – А.Дворжака отличаются достаточно консервативным, воспринятым от Шуберта и Брамса, подходом к симфонической форме. Глубоко национальны по содержанию и монументальны по форме симфонии А.П.Бородина.

Автором, в творчестве которого сформировался тип программной симфонии прошлого столетия, во многом отличающейся от абстрактной или, если можно так выразиться, абсолютной симфонии классической эпохи, стал Г.Берлиоз. В программной симфонии ведется повествование, или живописуется картина, или, обобщенно говоря, присутствует элемент «экстрамузыкального», лежащего за пределами самой музыки. Вдохновляясь бетховенской Девятой симфонией с ее финальным хором на слова шиллеровской Оды к Радости , Берлиоз пошел дальше в своей эпохальной Фантастической симфонии (1831), где каждая часть есть фрагмент как бы автобиографического повествования, причем через весь цикл проходят лейтмотивы-напоминания. Среди других программных симфоний композитора – Гарольд в Италии по Байрону и Ромео и Джульетта по Шекспиру, где наряду с инструментами широко используются и вокальные средства. Как и Берлиоз, Ф.Лист и Р.Вагнер были «авангардистами» своей эпохи. Хотя стремление Вагнера к синтезу слова и музыки, голосов и инструментов увело его от симфонии к опере, великолепное мастерство этого автора оказало влияние почти на всех европейских композиторов последующего поколения, включая австрийца А.Брукнера. Как и Вагнер, Лист был одним из вождей позднего музыкального романтизма, и его тяготение к программности породило такие произведения, как симфонии Фауст и Данте , а также 12 программных симфонических поэм. Листовские приемы образных трансформаций тем в процессе их развития сильно воздействовали на творчество С.Франка и Р.Штрауса, авторов более позднего периода.

В конце 19 в. творчество ряда талантливых симфонистов, среди которых каждый обладал ярким индивидуальным стилем, ознаменовало финальный этап классико-романтической традиции с ее преобладанием сонатной формы и определенных тональных отношений. Австриец Г.Малер насытил симфонию тематизмом, берущим истоки в его собственных песнях, в танцевальных мотивах; нередко он прямо цитировал фрагменты из народной, религиозной или военной музыки. В четырех симфониях Малера используются хор и солисты, и все десять его симфонических циклов отмечены необычайным разнообразием и изощренностью оркестрового письма. Финн Я.Сибелиус сочинял симфонии абстрактного характера, проникнутые глубоким чувством; для его стиля типично предпочтение низких регистров и басовых инструментов, однако в общем его оркестровая фактура остается ясной. Француз К.Сен-Санс написал три симфонии, из которых наиболее известна последняя (1886) – т.н. Органная симфония . Самой популярной французской симфонией этого периода можно, пожалуй, назвать единственную симфонию С.Франка (1886–1888).

Превосходным примером постромантической симфонии конца 19 в. является Вторая симфония до минор Малера, законченная в 1894 (ее иногда называют Воскресение в связи с содержанием хорала в последней части). Гигантский пятичастный цикл написан для большого оркестрового состава: 4 флейты (в том числе пикколо), 4 гобоя (в том числе 2 английских рожка), 5 кларнетов (из них один басовый), 4 фагота (из них 2 контрафагота), 10 валторн, 10 труб, 4 тромбона, туба, орган, 2 арфы, две солистки – контральто и сопрано, смешанный хор и огромная ударная группа, включающая 6 литавр, большой барабан, тарелки, гонги и колокола. Первая часть носит торжественный (Allegro maestoso) маршеобразный характер (размер 4/4 в тональности до минор); в отношении структуры это развернутая сонатная форма с двойной экспозицией. Вторая часть разворачивается в умеренном темпе (Andante moderato) и по характеру напоминает изящный австрийский танец лендлер. Эта часть написана в тональности субмедианты (ля-бемоль мажор) в размере 3/8 и в простой форме АВАВА. Третья часть отличается плавностью течения музыки, она написана в основной тональности и в размере 3/8. Это трехчастное скерцо является симфоническим развитием одновременно сочиненной Малером песни Проповедь св. Антония рыбам .

В четвертой части, «Предвечный свет» («Urlicht»), появляется человеческий голос. Эта оркестровая песнь, излучающая сияние и исполненная глубокого религиозного чувства, написана для альта соло и уменьшенного оркестрового состава; она имеет форму АВСВ, размер 4/4, тональность ре-бемоль мажор. Бурный, «дикий» финал в темпе скерцо содержит множество смен настроений, тональности, темпа, метра. Это очень крупная сонатная форма с монументальной кодой; в финал включены мотивы марша, хорала, песни, напоминающие о предшествующих частях. В конце финала вступают голоса (солирующие сопрано и контральто, а также хор – с гимном о воскресшем Христе на слова немецкого поэта 18 в. Ф.Клопштока. В оркестровом заключении появляются светлые, блестящие оркестровые краски и тональность ми-бемоль мажор, параллельная к основному до минору: свет веры рассеивает тьму.

Двадцатый век.

Резким контрастом к разросшимся позднеромантическим циклам Малера явились тщательно отделанные неоклассические симфонии таких французских авторов, как Д.Мийо и А.Онеггер. В неоклассическом (или необарочном) стиле писал русский автор И.Ф.Стравинский, который наполнил традиционные симфонические формы новым мелодическим и тонально-гармоническим материалом. Немец П.Хиндемит тоже сочетал формы, пришедшие из прошлого, с остро индивидуальным мелодическим и гармоническим языком (для него характерно предпочтение интервала кварты в тематизме и аккордике).

Крупнейшие русские симфонисты – С.В.Рахманинов, С.С.Прокофьев и Д.Д.Шостакович. Три симфонии Рахманинова продолжают национально-романтическую традицию, идущую от Чайковского. Симфонии Прокофьева тоже связаны с традицией, но заново переосмысленной; для этого автора характерны жесткие моторные ритмы, неожиданные тональные сдвиги, встречается тематизм, идущий от фольклора. Творческая жизнь Шостаковича протекала в советский период истории России. Самыми «передовыми» можно считать его Первую, Десятую, Тринадцатую и Пятнадцатую симфонии, в то время как Третья, Восьмая, Одиннадцатая и Двенадцатая в большей степени связаны с традиционным «русским стилем». В Англии выдающимися симфонистами были Э.Элгар (две симфонии) и Р.В.Уильямс (девять симфоний, написанных между 1910 и 1957, в том числе с включением вокального элемента). Среди других авторов, каждый из которых связан с традициями своей страны, можно назвать поляков Витольда Лютославского (р. 1913) и К.Пендерецкого, чеха Богуслава Мартину (1890–1959), бразильца Э.Вилла-Лобоса и мексиканца Карлоса Чавеса (1899–1976).

В начале 20 в. американец Ч.Айвз сочинил ряд авангардных симфоний, в которых использованы оркестровые кластеры, четвертитоновые интервалы, полиритмия, диссонантное гармоническое письмо, а также коллажная техника. В следующем поколении несколько композиторов (все они учились в 1920-х годах в Париже у Нади Буланже) создали американскую симфоническую школу: это А.Копленд, Рой Харрис (1898–1981) и У.Пистон. В их стиле благодаря элементам неоклассицизма ощутимо французское влияние, но все же их симфонии создают образ Америки с ее просторами, пафосом и природными красотами. Симфонии Роджера Сешнса отмечены сложностью и прихотливостью хроматических мелодических линий, напряженностью тематического развития, обилием контрапункта. Уоллингфорд Риггер в своих симфониях применял серийную технику А.Шёнберга; Генри Коуэлл использовал в симфониях такие экспериментальные идеи, как мелодии гимнов в фугированной разработке, экзотические инструменты, звуковые кластеры, диссонантный хроматизм.

Среди других американских симфонистов середины 20 в. можно выделить Х.Хансона, У.Шумана, Д.Даймонда и В.Персичетти. Во второй половине столетия интересные симфонии были созданы Э.Картером, Дж.Рочбергом, У.Г.Стиллом, Ф.Глассом, Э.Т.Цвилих и Дж.Корильяно. В Англии симфоническую традицию продолжил Майкл Типпет (1905–1998). В 1990-х годах наблюдалось необычное явление: современная симфония стала «хитом» у широкой публики. Речь идет о Третьей симфонии (Симфонии грустных песен ) поляка Генриха Гурецкого. На рубеже третьего тысячелетия композиторы разных стран создали симфонии, отразившие тяготение их авторов к таким различным явлениям, как минимализм, тотальный сериализм, алеаторика, электронная музыка, неоромантизм, джаз и внеевропейские музыкальные культуры.

Симфоническая музыка удивительным образом не сдает свои позиции, хотя ее история насчитывает столетия. Казалось бы, время диктует новые гармонии и ритмы, изобретаются новые инструменты, сам процесс сочинительства приобретает новые формы - чтобы написать музыку, сейчас нужен компьютер с подходящей программой. Однако симфоническая музыка не только не хочет уходить в историю, но и приобретает новое звучание.

Немного об истории жанра, точнее, целого спектра жанров, так как понятие симфонической музыки многогранно, объединяет в себе несколько музыкальных форм. Общее понятие таково: это инструментальная музыка, написанная для симфонического оркестра. А такие оркестры могут создаваться от больших до камерных. Традиционно выделяются оркестровые группы - струнных инструментов, духовых, ударных, клавишных. В ряде случаев инструменты могут быть солирующими, а не только звучать в ансамбле.

Жанров симфонической музыки немало, но королевой можно назвать симфонию. Классическая симфония сформировалась на рубеже 18-19 веков, ее творцами были композиторы венской школы, прежде всего, Йозеф Гайдн и Вольфганг Амадей Моцарт. Именно они довели до совершенства четырехчастную симфоническую модель, разнообразие тем в частях симфонии, программный характер каждого произведения. Симфоническая музыка поднялась на новую ступень благодаря творчеству Людвига Ван Бетховена. Он сделал этот жанр более насыщенным, драматичным, сместил смысловой центр в финал симфонии.

Примеру Бетховена следовали композиторы-романтики немецкой и австрийской школы - Франц Шуберт, Роберт Шуман, Феликс Мендельсон, Иоганн Брамс. Основным они считали программность симфонического произведения, им становятся тесны рамки симфонии, появляются новые жанры, такие, как симфония-оратория, симфония-концерт. Эту тенденцию продолжили и другие классики европейской симфонической музыки - Ференц Лист, Густав Малер.

Симфоническая музыка в России серьезно заявила о себе только во второй половине 19 века. Хотя можно назвать удачными первые симфонические опыты Михаила Глинки, его симфонические увертюры и фантазии заложили серьезные основы русского симфонизма, который достиг истинного совершенства в произведениях композиторов "Могучей кучки" - М. Балакирева, Н. Римского-Корсакова, А. Бородина.

Исторически сложилось так, что русская симфоническая музыка, миновав классический этап развития, формировалась как романтическая с элементами национального колорита. Подлинные шедевры, получившие мировое признание, создал Петр Чайковский. Его симфонии до сих пор считаются эталоном жанра, а продолжателями традиций Чайковского стали С. Рахманинов и А. Скрябин.

Современная симфоническая музыка, как вся музыка 20 века, находится в активном творческом поиске. Можно ли считать современными русских композиторов С. Стравинского, С. Прокофьева, Д. Шостаковича, А. Шнитке и других корифеев? А музыка таких знаменитых композиторов 20 века, как финна англичанина Бенджамена Бриттена, поляка Кшиштофа Пендерецкого? Симфоническая музыка в современной обработке, как и в традиционном, классическом звучании, по-прежнему востребована на мировых сценических площадках. Появляются новые жанры - А значит, жизнь симфонической музыки продолжается.

Слово «симфония» с греческого языка переводится как «созвучие». И действительно, звучание множества инструментов в оркестре только тогда можно назвать музыкой, когда они созвучны, а не издают звуки каждый сам по себе.

В Древней Греции так называли приятное сочетание звуков, совместное пение в унисон. В Древнем Риме так стал называться уже ансамбль, оркестр. В средние века симфонией называли светскую музыку вообще и некоторые музыкальные инструменты.

У слова есть и другие значения, но все они несут в себе смысл соединения, сопричастности, гармоничного сочетания; например, симфонией называют также сформированный в Византийской империи принцип взаимоотношения церкви и светской власти.

Но сегодня мы будем говорить только о музыкальной симфонии.

Разновидности симфонии

Классическая симфония – этомузыкальное произведение в сонатной циклической форме, предназначенное для исполнения симфоническим оркестром.

В симфонию (помимо симфонического оркестра) может быть включён хор и вокал. Существуют симфонии-сюиты, симфонии-рапсодии, симфонии-фантазии, симфонии-баллады, симфонии-легенды, симфонии-поэмы, симфонии-реквиемы, симфонии-балеты, симфонии-драмы и театральные симфонии как разновидность оперы.

В классической симфонии обычно 4 части:

первая часть - в быстром темпе (аллегро) , в сонатной форме;

вторая часть - в медленном темпе , обычно в форме вариаций, рондо, рондо-сонаты, сложной трёхчастной, реже в форме сонаты;

третья часть - скерцо или менуэт - в трёхчастной форме da capo с трио (то есть по схеме A-trio-A);

четвёртая часть - в быстром темпе , в сонатной форме, в форме рондо или рондо-сонаты.

Но бывают симфонии и с меньшим (или большим) количеством частей. Существуют и одночастные симфонии.

Программная симфония – это симфония с определенным содержанием, которое изложено в программе или выражено в названии. Если в симфонии присутствует название, тогда данное название и является минимальной программой, например, «Фантастическая симфония» Г. Берлиоза.

Из истории симфонии

Создателем классической формы симфонии и оркестровки считается Гайдн .

А прототипом симфонии является итальянская увертюра (инструментальная оркестровая пьеса, исполняемая перед началом какого-либо представления: оперы, балета), сложившаяся в конце XVII в. Значительный вклад в развитие симфонии внесли Моцарт и Бетховен . Этих трёх композиторов называют «венскими классиками». Венские классики создали высокий тип инструментальной музыки, в котором все богатство образного содержания воплощено в совершенную художественную форму. С этим временем совпал и процесс становления симфонического оркестра – его постоянного состава, оркестровых групп.

В.А. Моцарт

Моцарт писал во всех существовавших в его эпоху формах и жанрах, особое значение придавал опере, но большое внимание уделял и симфонической музыке. Благодаря тому, что на протяжении своей жизни он работал параллельно над операми и симфониями, его инструментальная музыка отличается певучестью оперной арии и драматической конфликтностью. Моцарт создал более 50 симфоний. Наиболее популярными стали три последние симфонии - № 39, № 40 и № 41 («Юпитер»).

К. Шлоссер "Бетховен за работой"

Бетховен создал 9 симфоний, но в смысле развития симфонической формы и оркестровки он может быть назван крупнейшим композитором-симфонистом классического периода. В его Девятой симфонии, самой известной, слиты сквозной темой в одно целое все её части. В этой симфонии Бетховен ввёл вокальные партии, после чего это стали делать и другие композиторы. В форме симфонии сказал новое слово Р. Шуман.

Но уже во второй половине XIX в. строгие формы симфонии начали изменяться. Необязательной стала четырёхчастность: появилась одночастная симфония (Мясковский, Борис Чайковский), симфония из 11 частей (Шостакович) и даже из 24 частей (Хованесс). Классический финал в быстром темпе был потеснён медленным финалом (Шестая симфония П.И. Чайковского, Третья и Девятая симфонии Малера).

Авторами симфоний были Ф. Шуберт, Ф. Мендельсон, И. Брамс, А. Дворжак, А. Брукнер, Г. Малер, Ян Сибелиус, А. Веберн, А. Рубинштейн, П. Чайковский, А. Бородин, Н. Римский-Корсаков, Н. Мясковский, А. Скрябин, С. Прокофьев, Д. Шостакович и др.

Его состав, как мы уже сказали, сложился в эпоху венских классиков.

Основой симфонического оркестра являются четыре группы инструментов: струнные смычковые (скрипки, альты, виолончели, контрабасы), деревянные духовые (флейта, гобой, кларнет, фагот, саксофон со всеми их разновидностями – старинные блокфлейта, шалмей, шалюмо и др., а также ряд народных инструментов – балабан, дудук, жалейка, свирель, зурна), медные духовые (валторна, труба, корнет, флюгельгорн, тромбон, туба), ударные (литавры, ксилофон, вибрафон, колокольчики, барабаны, треугольник, тарелки, бубен, кастаньеты, там-там и другие).

Иногда в состав оркестра включаются и другие инструменты: арфа , фортепиано, орган (клавишно-духовой музыкальный инструмент, самый крупногабаритный вид музыкальных инструментов), челеста (небольшой клавишно-ударный музыкальный инструмент, внешне похожий на пианино, звучащий наподобие колокольчиков), клавесин .

Клавесин

Большой симфонический оркестр может включать в себя до 110 музыкантов, малый – не более 50.

Решение о том, как рассадить оркестр, принимает дирижёр. Расположение исполнителей современного симфонического оркестра направлено к достижению слитной звучности. В 50-70 гг. XX в. получила распространение «американская рассадка»: слева от дирижёра помещаются первые и вторые скрипки; справа – альты и виолончели; в глубине – деревянные и медные духовые, контрабасы; слева – ударные.

Рассадка музыкантов симфонического оркестра

Мелодии и песни русского народа вдохновляли творчество известных композиторов второй половины XIX века. Среди них были П.И. Чайковский, М.П. Мусоргский, М.И. Глинка и А.П. Бородин. Их традиции были продолжены целой плеядой выдающихся музыкальных деятелей. Русскиекомпозиторы 20 века по-прежнему популярны .

Александр Николаевич Скрябин

Творчество А.Н. Скрябина (1872 – 1915 гг.), русского композитора и талантливого пианиста, педагога, новатора никого не может оставить равнодушным. В его самобытной и импульсивной музыке порой слышны мистические моменты. Композитора притягивает и влечет образ огня. Даже в названиях своих произведений Скрябин часто повторяет такие слова, как огонь и свет. Он пытался найти возможность объединения в своих произведениях звука и света.

Отец композитора - Николай Александрович Скрябин, был известным русским дипломатом, действительным статским советником. Мать - Любовь Петровна Скрябина (в девичестве Щетинина), слыла очень талантливой пианисткой. Она с отличием окончила Санкт-Петербургскую консерваторию. Ее профессиональная деятельность началась успешно, но вскоре после рождения сына она умерла от чахотки. В 1878 г. Николай Александрович закончил учебу и получил назначение в русское посольство в Константинополе. Воспитание будущего композитора продолжили его близкие родственники - бабушка Елизавета Ивановна, ее сестра Мария Ивановна и сестра отца Любовь Александровна.

Несмотря на то, что в пять лет Скрябин освоил игру на пианино, а немного позже начал заниматься музыкальными композициями, согласно семейной традиции, получил военное образование. Он закончил 2-й Московский кадетский корпус. Параллельно брал частные уроки по классу фортепиано и теории музыки. Позже он поступил в Московскую консерваторию и закончил ее с малой золотой медалью.

В начале своей творческой деятельности Скрябин сознательно следовал Шопену, выбирал те же жанры. Однако даже в то время уже проявился его собственный талант. В начале XX века он написал три симфонии, затем «Поэму экстаза» (1907 г.) и «Прометей» (1910 г.). Интересно, что партитуру «Прометея» композитор дополнил партией световой клавиатуры. Он первый начал использовать светомузыку, назначение которой характеризуется раскрытием музыки методом зрительного восприятия.

Случайная смерть композитора прервала его работу. Он так и не осуществил свой замысел по созданию «Мистерии» - симфонии звуков, красок, движений, запахов. В этом произведении Скрябин хотел поведать всему человечеству свои сокровенные мысли и вдохновить его на создание нового мира, ознаменовавшегося соединением Вселенского Духа и Материи. Его самые значительные произведения являлись лишь предисловием к этому грандиозному проекту.

Известный русский композитор, пианист, дирижер С.В. Рахманинов (1873 – 1943 гг.) родился в обеспеченной дворянской семье. Дед Рахманинова был профессиональным музыкантом. Первые уроки игры на фортепиано ему давала мать, а впоследствии пригласили учительницу музыки А.Д. Орнатскую. В 1885 г. родители определили его в частный пансион к профессору Московской консерватории Н.С. Звереву. Порядок и дисциплина в учебном заведении оказали значительное влияние на формирование будущего характера композитора. Позже он окончил Московскую консерваторию с золотой медалью. Еще будучи студентом, Рахманинов пользовался большой популярностью у московской публики. Он уже создал свой «Первый фортепианный концерт», а также некоторые другие романсы и пьесы. А его «Прелюдия до-диез минор» стала очень популярной композицией. Великий П.И. Чайковский обратил внимание на дипломное произведение Сергея Рахманинова - оперу «Олеко», которая была им написана под впечатлением от поэмы А.С. Пушкина «Цыганы». Петр Ильич добился ее постановки в Большом театре, пытался помочь с включением этого произведения в репертуар театра, но неожиданно умер.

С двадцати лет Рахманинов преподавал в нескольких институтах, давал частные уроки. По приглашению известного мецената, театрального и музыкального деятеля Саввы Мамонтова, в 24 года композитор становится вторым дирижером Московской русской частной оперы. Там же он подружился с Ф.И. Шаляпиным.

Карьера Рахманинова прервалась 15 марта 1897 г. в связи с непринятием петербургской публикой его новаторской Первой симфонии. Рецензии на это произведение были поистине разгромными. Но самое большое огорчение доставил композитору отрицательный отзыв, оставленный Н.А. Римским-Корсаковым, мнение которого Рахманинов очень ценил. После этого он впал в затяжную депрессию, выйти из которой ему удалось при помощи врача -гипнотизера Н.В. Даля.

В 1901 г. Рахманинов заканчивает работу над Вторым фортепианным концертом. И с этого момента начинается его активная творческая деятельность как композитора и пианиста. Уникальный стиль Рахманинова объединил русские церковные песнопения, романтизм и импрессионизм. Главным ведущим началом в музыке он считал мелодию. Наибольшее выражение это нашло в любимом произведении автора - поэме «Колокола», которую он написал для оркестра, хора и солистов.

В конце 1917 г. Рахманинов с семьею покидает Россию, работает в Европе, а затем уезжает в Америку. Композитор тяжело переживал разрыв с Родиной. Во время Великой Отечественной войны он давал благотворительные концерты, выручку от которых направлял в Фонд Красной Армии.

Музыка Стравинского отличается стилистическим разнообразием. В самом начале его творческой деятельности она имеет в своей основе русские музыкальные традиции. А затем в произведениях слышится влияние неоклассицизма, характерного для музыки Франции того периода и додекафонии.

Игорь Стравинский родился в Ораниенбауме (ныне г. Ломоносов), в 1882 г. Отец будущего композитора Федор Игнатьевич - известный оперный певец, один из солистов Мариинского театра. Его матерью была пианистка и певица Анна Кирилловна Холодовская. С девяти лет учителя преподавали ему уроки игры на фортепиано. После завершения гимназии он, по просьбе родителей, поступает на юридический факультет университета. Два года, с 1904 по 1906, брал уроки у Н.А. Римского-Корсакова, под руководством которого им были написаны первые произведения - скерцо, соната для фортепиано, сюита «Фавн и пастушка». Сергей Дягилев высоко оценил талант композитора и предложил ему сотрудничество. Результатом совместной работы стали три балета (в постановке С. Дягилева) - «Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная».

Незадолго до Первой мировой войны композитор уезжает в Швейцарию, затем во Францию. В его творчестве наступает новый период. Он изучает музыкальные стили XVIII века, пишет оперу «Царь Эдип», музыку к балету «Аполлон Мусагет». Его авторский почерк со временем несколько раз менялся. Много лет композитор прожил в США. Последнее его знаменитое произведение «Реквием». Особенностью композитора Стравинского считается способность постоянно менять стили, жанры и музыкальные направления.

Композитор Прокофьев родился в 1891 г. в небольшом селе Екатеринославской губернии. Мир музыки для него открыла мать, хорошая пианистка, часто исполнявшая произведения Шопена и Бетховена. Она же стала для сына настоящим музыкальным наставником и, кроме этого, обучала его немецкому и французскому языкам.

В начале 1900 г. юному Прокофьеву удалось побывать на балете «Спящая красавица» и послушать оперы «Фауст» и «Князь Игорь». Впечатление, полученное от представлений Московских театров, выразилось в собственном творчестве. Он пишет оперу «Великан», а затем увертюру к «Пустынным берегам». Родители вскоре понимают, что не могут дальше обучать сына музыке. Вскоре начинающий композитор в возрасте одиннадцати лет был представлен известному русскому композитору и педагогу С.И. Танееву, который лично просил Р.М. Глиэра заняться с Сергеем музыкальной композицией. С. Прокофьев в 13 лет сдал вступительные экзамены в Санкт-Петербургскую консерваторию. В начале своей карьеры композитор много гастролировал и выступал. Однако его творчество вызывало непонимание у публики. Это было связано с особенностями произведений, которые выражались в следующем:

модернистский стиль;
разрушение установившихся музыкальных канонов;
экстравагантность и изобретательность композиторских приемов

В 1918 г. С. Прокофьев уезжает из и возвращается лишь в 1936 г. Уже в СССР он пишет музыку к кинофильмам, оперы, балеты. Но после того как был обвинен вместе с рядом других композиторов в «формализме», практически переехал жить на дачу, но продолжал писать музыкальные произведения. Его опера «Война и мир», балеты «Ромео и Джульетта», «Золушка» стали достоянием мировой культуры.

Русскиекомпозиторы 20 века,которые жили на рубеже веков, не только сохранили традиции предыдущего поколения творческой интеллигенции, но и создали свое, уникальное искусство, для которого образцами оставались произведения П.И. Чайковского, М.И. Глинки, Н.А. Римского-Корсакова.

Флегонтова Анастасия

класс 7 специализации «Теория музыки», МАОУДОД ДШИ № 46 , г. Кемерово

Заиграева Валентина Афанасьевна

научный руководитель, преподаватель теоретических дисциплин МАОУ ДОД «ДШИ № 46»

Введение

В каждом крупном городе есть симфонический оркестр. Он востребован и в оперных театрах, и в филармониях. Но сам жанр симфонии - один из самых маститых жанров академической музыки - вытесняется сегодня камерной и электронной музыкой. И может случиться так, что настанет тот час, когда такой великий жанр, как симфония, вообще перестанет исполняться на концертах. По крайней мере, сочинять симфонии уже почти перестали. Актуальность темы исследования: неослабевающий интерес к вопросу, касающемуся будущего существования жанра «симфония», что ждет симфонию в XXI веке: перерождение или забвение? Объектом исследования является симфония, как жанр и как серьезный способ познания мира и самовыражения человека. Предмет исследования : эволюционирование симфонического жанра от истоков появления до наших дней. Цель работы: изучить особенности развития симфонического жанра. Задачи исследования : проанализировать научно-теоретический материал по проблеме; описать симфонические законы, нормы, модели и тенденции развития жанра.

Глава I . История слова «симфония».

Симфония (от греч. symphonía - созвучие, от sýn - вместе и phone - звук), музыкальное произведение в сонатной циклической форме, предназначенное для исполнения симфоническим оркестром; один из важнейших жанров симфонической музыки. В отдельных симфониях привлекаются также хор и певцы-солисты . Симфония - один из самых сложных музыкальных жанров. «Для меня создать симфонию - это значит всеми средствами современной музыкальной техники построить мир», - говорил австрийский композитор Густав Малер.

Изначально в Древней Греции «симфонией» называлось благозвучное звучание тонов, совместное пение в унисон. В Древнем Риме так называли уже ансамбль, оркестр. В средние века «симфонией» считалась светская музыка вообще (во Франции это значение сохранилось до XVIII века), так могли называть некоторые музыкальные инструменты (в частности, колёсную лиру) . В Германии симфония до середины 18-го века являлась общим термином для разновидностей клавесина - спинетов и верджинелов, во Франции так называли шарманки, клавесины, двухголовые барабаны и т. п. .

В конце эпохи барокко некоторые композиторы, например Джузеппе Торелли (1658-1709), создавали сочинения для струнного оркестра и basso continuo в трех частях, с последовательностью темпов «быстро - медленно - быстро». Хотя подобные сочинения обычно назывались «концертами», они ничем не отличались от сочинений под названием «симфония»; например, в финалах и концертов и симфоний использовались танцевальные темы. Различие касалось в основном структуры первой части цикла: в симфониях она была проще - как правило, бинарная двухчастная форма барочной увертюры, сонаты и сюиты (АА ВВ) . Лишь в ХVI в. его стали применять к отдельным произведениям, первоначально вокально-инструментальным, у таких композиторов как Джованни Габриели (Sacrae symphoniae, 1597, и Symphoniae sacrae 1615), Адриано Банкьери (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Лодовико Гросси да Виадана (Sinfonie musicali, 1610) и Генрих Шютц (Symphoniae sacrae, 1629). Итальянские композиторы XVII в. часто обозначали словом «симфония» (sinfonia) инструментальные вступления к опере, оратории или кантате, и термин по смыслу приблизился к понятиям «прелюдия» или «увертюра».

Прототипом симфонии может считаться итальянская увертюра, сложившаяся при Доменико Скарлатти в конце XVII века. Эта форма уже тогда называлась симфонией и состояла из трёх контрастных частей: allegro, andante и allegro, что сливались в одно целое, наметились черты сонатной формы в первой части . Именно эта форма часто рассматривается как прямая предтеча оркестровой симфонии. С другой стороны, предшественницей симфонии была оркестровая соната, состоявшая из нескольких частей в простейших формах и преимущественно в одной и той же тональности. Термины «увертюра» и «симфония» были взаимозаменяемыми на протяжении большей части 18-го века.

В XVIII в. симфония отделилась от оперы и стала самостоятельным концертным жанром, обычно в трех частях («быстро - медленно - быстро»). Использовав черты барочной танцевальной сюиты, оперы и концерта, ряд композиторов, и прежде всего Дж.Б. Саммартини, создали модель классической симфонии - трехчастного сочинения для струнного оркестра, где быстрые части обычно имели форму простого рондо или раннюю сонатную форму. Постепенно к струнным прибавились другие инструменты: гобои (или флейты), валторны, трубы и литавры. Для слушателей XVIII в. симфония определялась классическими нормами: гомофонная фактура, диатоническая гармония, мелодические контрасты, заданная последовательность динамических и тематических изменений. Центрами, где культивировалась классическая симфония, стали немецкий город Мангейм (здесь Ян Стамиц и другие авторы расширили симфонический цикл до четырех частей, введя в него два танца из барочной сюиты - менуэт и трио) и Вена, где Гайдн, Моцарт, Бетховен (а также их предшественники, среди которых выделяются Георг Монн и Георг Вагензейль подняли жанр симфонии на новый уровень . Также «симфониями» назвал свои 15 пьес (в тех же тональностях, что и двухголосные инвенции, но в трехголосном изложении) Иоганн Себастьян Бах (1685-1750, Германия) .

Глава II . Симфонии зарубежных композиторов

1. Венские классики

1.1. Франц Йозеф Гайдн

В творчестве Франца Йозефа Гайдна (1732-1809) окончательно сформировался симфонический цикл. Ранние его симфонии еще ничем по существу не отличаются от камерной музыки и почти не выходят из рамок обычных для той эпохи развлекательно-бытовых жанров. Лишь в 70-е годы появляются произведения, выражающие более глубокий мир образов («Траурная симфония», «Прощальная симфония» и др.). Постепенно его симфонии насыщаются более глубоким драматическим содержанием. Высшим достижением гайдновского симфонизма являются двенадцать «Лондонских» симфоний.

Структура сонатного allegro . Каждая из симфоний (за исключением до-минорной) начинается кратким медленным вступлением торжественно-величавого, глубокомысленно-сосредоточенного, лирически-задумчивого или спокойно-созерцательного характера (обычно в темпе Largoили Adagio). Медленное вступление резко контрастирует с последующим Allegro(являющимся первой часть симфонии) и одновременно подготавливает его. Между темами главной и побочной партий яркий образный контраст отсутствует. И те, и другие обычно носят народный песенно-танцевальный характер. Имеется лишь тональный контраст: основной тональности главных партий противопоставляется доминантовая тональность побочных партий. Значительное развитие получили в симфониях Гайдна разработки, которые строятся путем мотивного вычленения. От темы главной или побочной партии отделяется короткий, но наиболее активный отрезок и подвергается довольно длительному самостоятельному развитию (непрерывные модуляции в разные тональности, проведение у различных инструментов и в различных регистрах). Это придает разработкам динамический и устремленный характер.

Вторые (медленные) части имеют различный характер: иногда задумчиво-лирический, иногда песенный, в некоторых случаях и маршеобразный. По форме они также бывают различны. Чаще всего встречаются сложная трехчастная и вариационная формы.

Менуэты. Третьи части «Лондонских» симфоний всегда называются Menuetto. Многие менуэты Гайдна имеют характер деревенских танцев с их несколько тяжеловатой поступью, размашистой мелодией, неожиданными акцентами и ритмическими сдвигами, создающими часто юмористический эффект. Трехдольный размер традиционного менуэта сохраняется, но он утрачивает свою аристократическую изысканность и становится демократическим, крестьянским танцем.

Финалы. В финалах симфоний Гайдна обычно привлекают внимание жанровые образы, также восходящие к народно-танцевальной музыке. Форма чаще всего бывает сонатная или рондо-соната. В некоторых финалах «Лондонских» симфоний широко используются приемы вариационного и полифонического (имитационного) развития, еще более подчеркивающее стремительно движение музыки и динамизирующее всю музыкальную ткань [ 4, с. 76-78]

Оркестр. Состав оркестра также установился в творчестве Гайдна. Его основу составляют четыре группы инструментов. В струнную, ведущую группу оркестра входят скрипки, альты, виолончели и контрабасы. Деревянную группу составляю флейты, гобои, кларнеты (используются не во всех симфониях), фаготы. Группа медных духовых инструментов у Гайдна состоит из валторн и труб. Из ударных инструментов Гайдн использовал в оркестре только литавры. Исключение составляет двенадцатая «Лондонская симфония», соль мажор («Военная»). Помимо литавр Гайдн ввел в нее треугольник, тарелки, большой барабан . Всего в творчество Франца Йозефа Гайдна входит более 100 симфоний.

1.2. Вольфганг Амадей Моцарт

Вольфганг Амадей Моцарт (1756-1791) вместе с Гайдном стоял у истоков европейского симфонизма, при этом лучшие симфонии Моцарта появились даже раньше «Лондонских симфоний» Гайдна. Не дублируя Гайдна, Моцарт по-своему решил проблему симфонического цикла. Общее число его симфоний превышает 50, хотя по принятой в отечественном музыковедении сквозной нумерации последняя симфония - «Юпитер» - считается 41-й. Появление большей части моцартовских симфоний относится к ранним годам его творчества. В венский период было создано только 6 последних симфоний, в том числе: «Линцская» (1783), «Пражская» (1786) и три симфонии 1788 года.

На первые симфонии Моцарта сильное влияние оказало творчество И.С. Баха. Оно проявилось как в трактовке цикла (3 небольшие части, отсутствие менуэта, небольшой оркестровый состав), так и в различных выразительных деталях (певучесть тем, выразительные контрасты мажора и минора, ведущая роль скрипки).

Посещение главных центров европейского симфонизма (Вены, Милана, Парижа, Мангейма) способствовало эволюции моцартовского симфонического мышления: обогащается содержание симфоний, ярче становятся эмоциональные контрасты, более активным - тематическое развитие, укрупняются масштабы частей, более развитой становится оркестровая фактура. В отличие от «Лондонских симфоний» Гайдна, которые в целом развивают один тип симфонизма, лучшие симфонии Моцарта (№№ 39-41) не поддаются типизации, они абсолютно неповторимы. В каждой из них воплощается принципиально новая художественная идея. В двух из четырех последних симфоний Моцарта есть медленные вступления, в двух других - нет. В симфонии № 38 («Пражская», D-dur) три части («симфония без менуэта»), в остальных - четыре.

К наиболее характерным особенностям моцартовской трактовки жанра симфонии можно отнести:

· конфликтная драматургия. На самых разных уровнях частей цикла, отдельных тем, различных тематических элементов внутри темы - проявляются в симфониях Моцарта контрастность и конфликтность. Многие симфонические темы Моцарта изначально выступают как «сложный характер»: они строятся на нескольких контрастных элементах (например, главные темы в финале 40-й, I части симфонии «Юпитер). Эти внутренние контрасты являются важнейшим стимулом последующего драматического развертывания, в частности, в разработках:

1. предпочтение сонатной формы. Как правило, Моцарт обращается к ней во всех частях своих симфоний, кроме менуэта. Именно сонатная форма, с ее огромными возможностями для преобразования начальных тем, способна к наиболее глубокому раскрытию духовного мира человека. В моцартовской сонатной разработке может приобрести самостоятельное значение любая тема экспозиции, в т.ч. связующая и заключительная (например, в симфонии «Юпитер» в разработке I части развиваются темы з. п. и св. п., а во II части - св. т.);

2. огромная роль полифонической техники. В огромной мере драматизму способствуют различные полифонические приемы, особенно в поздних произведениях (самый яркий пример - финал симфонии «Юпитер»);

3. отход от открытой жанровости в симфонических менуэтах и финалах. К ним, в отличие от гайдновских, нельзя применить определение «жанрово-бытовой». Наоборот, Моцарт в своих менуэтах нередко «нейтрализует» танцевальное начало, наполняя их музыку то драматизмом (в симфонии № 40), то лирикой (в симфонии «Юпитер»);

4. окончательное преодоление сюитной логики симфонического цикла, как чередования разнохарактерных частей. Четыре части симфонии у Моцарта представляют органическое единство (особенно ярко это проявилось в симфонии № 40);

5. тесная связь с вокальными жанрами. Классическая инструментальная музыка формировалась под сильным влиянием оперы. У Моцарта это влияние оперной выразительности ощущается очень сильно. Оно проявляется не только в использовании характерных оперных интонаций (как, например, в главной теме 40-й симфонии, которую нередко сравнивают с темой Керубино «Рассказать, объяснить не могу я…»). Симфоническая музыка Моцарта пронизана контрастными сопоставлениями трагедийного и буффонного, возвышенного и обыденного, что явно напоминает его оперные сочинения .

1.3. Людвиг Ван Бетховен

Людвиг Ван Бетховен (1770-1827) ещё более обогатил жанр симфонии. В его симфониях большое значение приобрели героика, драматизм, философское начало. Части симфонии теснее связываются тематически, и цикл достигает большего единства. Принцип использования родственного тематического материала во всех четырех частях, проведенный в бетховенской Пятой симфонии, привел к возникновению т. н. циклической симфонии. Бетховен заменяет спокойный менуэт более оживленным, часто буйным, скерцо; он поднимает тематическое развитие на новый уровень, подвергая свои темы всевозможным изменениям, среди которых контрапунктическая разработка, вычленение фрагментов тем, перемена лада (мажор - минор), ритмические сдвиги .

Говоря о симфониях Бетховена, следует подчеркнуть его оркестровое новаторство. Из новшеств:

1. фактическое формирование медной группы. Хотя трубы по-прежнему играют и записываются вместе с литаврами, функционально они с валторнами начинают трактоваться как единая группа. К ним присоединяются и тромбоны, которых не было в симфоническом оркестре Гайдна и Моцарта. Тромбоны играют в финале 5 симфонии (3 тромбона), в сцене грозы в 6-й (здесь их только 2), а также в некоторых частях 9-й (в скерцо и в молитвенном эпизоде финала, а также в коде);

2. уплотнение «среднего яруса» заставляет наращивать вертикаль сверху и снизу. Сверху появляется флейта пикколо (во всех указанных случаях, кроме молитвенного эпизода в финале 9-й), а снизу - контрафагот (в финалах 5 и 9 симфонии). Но в любом случае флейт и фаготов в бетховенском оркестре всегда по две;

3. Продолжая традиции «Лондонских симфоний» Гайдна и поздних симфоний Моцарта, Бетховен усиливает самостоятельность и виртуозность партий почти всех инструментов, включая трубу (знаменитое соло за сценой в увертюрах «Леонора» № 2 и № 3) и литавры. Партий струнных у него нередко бывает 5 (контрабасы отделяются от виолончелей), а иногда и больше (игра divisi). Солировать, исполняя очень яркий материал, могут все деревянные духовые, в том числе фагот, а также валторны (хором, как в трио скерцо 3 симфонии, или отдельно) .

2. Романтизм

Главной отличительной чертой романтизма было разрастание формы, состава оркестра и плотности звучания, появляются лейтмотивы. Композиторы-романтики сохранили традиционную схему цикла, но наполнили её новым содержанием. Видное место у них занимает лирическая симфония, одним из ярких образцов которой явилась симфония си минор Ф. Шуберта. Эта линия нашла продолжение в симфониях Ф. Мендельсона-Бартольди, часто имеющих картинно-пейзажный характер. Таким образом, симфонии обрели черты программности, столь характерной для композиторов-романтиков. Гектор Берлиоз, выдающийся французский композитор, первым создал программную симфонию, написав для нее поэтическую программу в виде новеллы о жизни артиста. Однако программные замыслы в романтической музыке чаще воплощались в формах одночастных симфонической поэмы, фантазии и др. Виднейшим автором симфоний в конце XIX- начале XX вв. был Г. Малер, порой привлекающий и вокальное начало. Значительные симфонии на Западе создали представители новых национальных школ: во 2-й половине XIX в. - А. Дворжак в Чехии, в XX в. - К. Шимановский в Польше, Э. Элгар и Р. Воан-Уильямс в Англии, Я. Сибелиус в Финляндии. Новаторскими чертами отличаются симфонии французских композиторов А. Онеггера, Д. Мийо и др. Если в конце XIX- начале XX вв. главенствовала большая симфония (часто для оркестра расширенного состава), то позднее всё большую роль начинает играть скромная по своим масштабам и предназначенная для ансамбля солистов «камерная симфония» .

2.1. Франц Шуберт (1797 -1828)

Созданный Шубертом романтический симфонизм определился в основном в двух последних симфониях - 8-й, h-moll-ной, получившей название «Неоконченной», и 9-й, C-dur-ной. Они совершенно различны, противоположны друг другу. Эпическая 9-я проникнута чувством всепобеждающей радости бытия. «Неоконченная» воплотила тему обездоленности, трагической безысходности. Подобные настроения, отразившие судьбу целого поколения людей, до Шуберта еще не находили симфонической формы выражения. Созданная двумя годами раньше 9-й симфонии Бетховена (в 1822 г)«Неоконченная» ознаменовала возникновение нового симфонического жанра - лирико-психологического.

Одна из главных особенностей h-moll-ной симфонии касается ее цикла, состоящего всего из двух частей. Многие исследователи пытались проникнуть в «загадку» этого сочинения: действительно ли гениальная симфония осталась незавершенной? С одной стороны, нет сомнений, что симфония была задумана как 4-х частный цикл: ее первоначальный фортепианный эскиз содержал большой фрагмент 3 части - скерцо. Отсутствие тонального равновесия между частями (h-moll в I-й и E-dur во II-й) тоже является веским аргументом в пользу того, что симфония не мыслилась заранее как 2-х-частная. С другой стороны - у Шуберта было достаточно времени при желании дописать симфонию: вслед за «Неоконченной» он создал большое количество произведений, в т. ч. 4-х-частную 9-ю симфонию. Есть и другие доводы «за» и «против». Между тем, «Неоконченная» стала одной из самых репертуарных симфоний, абсолютно не вызывая впечатления недосказанности. Ее замысел в двух частях оказался полностью реализованным.

Герой «Неоконченной» способен на яркие вспышки протеста, но этот протест не приводит к победе жизнеутверждающего начала. По напряженности конфликта эта симфония не уступает драматическим произведениям Бетховена, но этот конфликт иного плана, он перенесен в лирико-психологическую сферу. Это драматизм переживания, а не действия. Основа его - не борьба двух противоположных начал, а борьба внутри самой личности. Такова важнейшая особенность романтического симфонизма, первым образцом которого стала симфония Шуберта .

Глава III . Симфония в России

Мировое значение имеет симфоническое наследие русских композиторов - П.И. Чайковского, А.П. Бородина, А.Г. Глазунова, Скрябина, С.В. Рахманинова. Начиная со второй половины XIX века, строгие формы симфонии начали рушиться. Стала необязательной четырёхчастность: существуют как одночастные симфонии (Мясковский, Канчели, Борис Чайковский), так и одиннадцатичастные (Шостакович) и даже двадцатичетырехчастные (Хованесс). Появились невозможные в классическом симфонизме медленные финалы (Шестая симфония Чайковского, Третья и Девятая симфонии Малера). После 9-й симфонии Бетховена композиторы чаще стали вводить в симфонии вокальные партии .

Вторая симфония Александр Порфирьевич Бородина (1833-1887) - одна из вершин его творчества. Она принадлежит к мировым симфоническим шедеврам, благодаря своей яркости, своеобразию, монолитности стиля и гениальному претворению образов русского народного эпоса. Всего им написано три симфонии (третья не окончена) .

Александр Константинович Глазунов (1865-1936) - один из крупнейших русских симфонистов. В его стиле своеобразно переломились творческие традиции Глинки и Бородина, Балакирева и Римского-Корсакова, Чайковского и Танеева. Он явился связующим звеном между дооктябрьской русской классикой и молодым советским музыкальным искусством .

3.1. Петр Ильич Чайковский (1840 -1893)

Симфония в России - это, прежде всего, Чайковский. Первая симфония «Зимние грёзы» была первой его крупной работой после окончания Петербургской консерватории. Это событие, которое сегодня кажется таким естественным, было весьма неординарным в 1866 году. Русская симфония - многочастный оркестровый цикл - находилась в самом начале своего пути. К этому времени существовали лишь первые симфонии Антона Григорьевича Рубинштейна и первая редакция Первой симфонии Николая Андреевича Римского-Корсакова, не получившая известности. Чайковский воспринимал мир драматически, и симфонизм его - в отличие от эпического симфонизма Бородина - носит лирико-драматический, остроконфликтный характер.

Шесть симфоний Чайковского и программная симфония «Манфред» – непохожие друг на друга художественные миры, это здания, выстроенные «по индивидуальному» проекту каждое. Хотя «законы» жанра, возникшего и развивавшегося на западноевропейской почве, соблюдены и трактованы с выдающимся мастерством, содержание и язык симфоний истинно национальны. Поэтому так органично звучат в симфониях Чайковского народные песни .

3.2. Александр Николаевич Скрябин (1872 -1915)

Симфонизм Скрябина сложился на основе творческого преломления различных традиций симфонической классики XIXвека. Это, прежде всего, традиция драматического симфонизма Чайковского и отчасти Бетховена. Наряду с этим композитор претворил и некоторые черты программного романтического симфонизма Листа. Некоторые особенности оркестрового стиля симфоний Скрябина связывают его отчасти с Вагнером. Но все эти разнообразные источники были им переработаны глубоко самостоятельно. Все три симфонии тесно связаны друг с другом общностью идейного замысла. Его сущностью можно определить как борьбу человеческой личности с враждебными силами, стоящими на ее пути к утверждению свободы. Борьба эта неизменно завершается победой героя и торжеством света .

3.3. Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906 -1975)

Шостакович - композитор-симфонист. Если для Прокофьева, при всем разнообразии его творческих интересов, самым важным является музыкальный театр, то для Шостаковича, напротив, основным жанром является симфония. Именно здесь находят глубокое и всеохватное воплощение главные идеи его творчества. Мир симфоний Шостаковича огромен. В них перед нами проходят вся жизнь человечества в XXвеке со всеми ее сложностями, противоречиями, с войнами и социальными конфликтами.

Седьмая («Ленинградская») симфония - одна из наиболее значительных произведений композитора. Она четырехчастна. Ее масштабы огромны: симфония длится более 70 минут, из которых почти половину занимает первая часть. «Какой дьявол может победить народ, способный создавать музыку, подобную этой», - писала одна из американских газет в 1942 году. Седьмая симфония Шостаковича может с полным правом быть названа «Героической симфонией» XXвека .

3.4. Альфред Гарриевич Шнитке (1934 -1998)

Шнитке - советский и российский композитор, теоретик музыки и педагог (автор статей о русских и советских композиторах), один из наиболее значительных музыкальных деятелей второй половины XX века заслуженный деятель искусств РСФСР. Шнитке - один из лидеров музыкального авангарда. Несмотря на большую популярность музыки этого выдающегося композитора, партитуры многих его симфоний до сих пор не изданы и малодоступны в России. Шнитке поднимал в своих произведениях философские проблемы, основная из которых - человек и среда. Первая симфония, вместила в себя целый калейдоскоп различных стилей, жанров и направлений музыки. Отправной точкой создания Первой симфонии стало соотношение стилей серьезной и легкой музыки. Вторая и Четвертая симфонии во многом отражают становление религиозного самосознания композитора. Во Второй симфонии звучит древняя месса. Третья симфония явилась результатом его внутренней потребности выразить свое отношение к немецкой культуре, немецким корням своего происхождения. В Третьей симфонии в виде коротеньких отрывков перед слушателем проходит вся история немецкой музыки. Альфред Шнитке мечтал создать именно девять симфоний - и тем самым передать своеобразный поклон Бетховену и Шуберту, написавшим столько же. Девятую симфонию (1995-97) Альфред Шнитке писал, будучи уже тяжело болен. Он перенёс три инсульта и совсем не двигался. Композитор не успел окончательно завершить партитуру. Впервые ее окончание и оркестровую редакцию выполнил Геннадий Рождественский, под руководством которого состоялось первое исполнение в Москве 19 июня 1998 года. Новая редакторская версия симфонии была осуществлена Александром Раскатовым и исполнена в Дрездене 16 июня 2007 года.

Во второй половине XXвека наибольшую популярность приобретает соединение в одном произведении принципов различных жанров - симфонических, хоровых, камерных, инструментальных и вокальных. Например, у Шостаковича в Четырнадцатой симфонии синтез симфонии, камерной вокальной и инструментальной музыки; у Гаврилина хоровые действа сочетают в себе признаки оратории, симфонии, вокального цикла, балета, драматического спектакля.

3.5. Михаил Журавлев

В XXIвеке есть немало талантливых композиторов, отдающих дань симфонии. Одним из таких является Михаил Журавлев. Своим музыкальным, равно и политическим манифестом композитор смело шагнул в один ряд с такими фигурами музыкальной истории, как Л. Бетховен, П. Чайковский и Д. Шостакович. 10-ю Симфонию М. Журавлева уже сегодня можно смело назвать «Героической симфонией XXI века». Помимо общих этических аспектов этой симфонии следует отметить и чисто профессиональные. Автор не стремится к новациям ради новаций. Порой даже подчёркнуто академичен, решительно противостоя всем декадентам и авангардистам от искусства. Но ему удалось сказать подлинно новое, своё слово в симфоническом жанре. Удивительно мастерски использует композитор М. Журавлёв принципы сонатной формы, всякий раз демонстрируя её бесконечные возможности. Объединённые 3 и 4 части, по сути, представляют собой некую «сверх-сонату», в которой всю 4 часть можно рассматривать как разросшуюся до отдельной части коду. Исследователям в будущем еще предстоит разбираться с этим неординарным композиторским решением .

Заключение

Симфониями изначально именовали те произведения, которые не укладывались в рамки традиционных композиций, - с точки зрения количества частей, темпового соотношения, сочетания разных складов - полифонического (который считался господствующим в XVII веке) и появившегося гомофонного (с голосовым сопровождением). В XVII веке симфонией (что означало «созвучие, согласие, поиск новых звучаний») называли всякого рода непривычные музыкальные сочинения, а в XVIII получили распространение так называемые симфонии-дивертисменты, которые создавались для озвучивания пространства на балах, разного рода светских мероприятиях. Жанровым обозначением симфония стала только в XVIII веке. В плане исполнения симфония справедливо считается жанром весьма сложным. Здесь требуется громадный состав, наличие множества редких музыкальных инструментов, мастерство оркестрантов и вокалистов (если это симфония с наличием текста), отличная акустика. Как и любой жанр музыки, симфония имеет свои законы. Так, нормой классической симфонии является четырехчастный цикл, с сонатной (самой сложной) формой по краям, с медленной и танцевальной частями в середине композиции. Такая структура не случайна. Симфония отражает процессы взаимоотношения человека с миром: деятельные - в первой части, социальные - в четвертой части, созерцание и игру - в центральных разделах цикла. В переломные моменты своего развития симфоническая музыка меняла устойчивые правила. И те явления на ниве искусства, что вызывали сначала шок, потом становились привычными. Например, симфония с вокалом и стихами стала не просто случайностью, а одной из тенденций развития жанра.

Современные композиторы сегодня предпочитают симфоническим формам камерные жанры, требующие не столь большого состава исполнителей. В подобного рода концертах даже используются фонограммы с записью шумов или каких-то электронно-акустических эффектов. Музыкальный язык, который сегодня культивируется в современной музыке, - весьма экспериментальный, поисковый. Считается, что писать сегодня музыку для оркестра - это значит положить ее в стол. Многие полагают, что время симфонии как жанра, в котором работают молодые композиторы, безусловно, прошло. Но так ли это на самом деле, на этот вопрос ответит время.

Список литературы:

Аверьянова О.И. Отечественная музыкальная литература XXвека: Учеб. пособие для ДМШ: Четв. год обучения предмету. - М.: Музыка, 2009. - 256 с.
Бородин. Вторая симфония («Богатырская») / Статья - [Электронный ресурс] - Режим доступа - URL: http://belcanto.ru/s_borodin_2.html
Героическая Симфония XXIвека / Статья В. Филатова // Проза. ру - [Электронный ресурс] - Режим доступа - URL: http://www.proza.ru/2010/08/07/459
Левик Б.В. Музыкальная литература зарубежных стран: учебно-методическое пособие. Вып. 2. - М.: Музыка, 1975. - 301 с.
Прохорова И. Музыкальная литература зарубежных стран: Для 5-го кл. ДМШ:Учебник М.: Музыка, 2000. - 112 с.
Русская музыкальная литература. Вып. 4. Под ред. М.К. Михайлова, Э.Л. Фрид. - Ленинград: «Музыка», 1986. - 264 с.
Симфония // Яндекс. Словари › БСЭ, 1969-1978 - [Электронный ресурс] - Режим доступа - URL: http://slovari.yandex.ru/~книги/БСЭ/Симфония/
Симфония. // Википедия. Свободная энциклопедия - [Электронный ресурс] - Режим доступа - URL: http://ru.wikipedia.org/wiki/Симфония http://www.tchaikov.ru/symphony.html
Шуберт, «Неоконченная» симфония // Лекции по музыкальной литературе musike.ru - [Электронный ресурс] - Режим доступа - URL: http://musike.ru/index.php?id=54